Teatro Vivo

Teatro Vivo se dedica a origina teatro bilingüe de buena calidad asequible para todos. Teatro Vivo refleja el corazón y el alma del ambiente latino al abrir una ventana única para que todos compartan esta experiencia.

Nuestra misión:

Inspirado en el poder del teatro para educar y entretener, el Teatro Vivo produce y promueve el teatro latino que muestra la experiencia latina, accesible a todos los públicos, especialmente a los menos favorecidos por las artes.

Teatro Vivo:
Produce teatro relevante sobre temas sociales críticos.
• Produce nuevas obras de teatro latino.
hace que las actuaciones estén disponibles al ofrecer entradas gratuitas o reducidas para personas con barreras económicas y para audiencias no tradicionales.
apoya a los artistas teatrales latinos para desarrollar su oficio.

¿Qué es el Teatro Vivo?

La cultura, las artes y el patrimonio nos hacen quienes somos. El teatro Vivo da vida a estas cosas. Impulsado por el poder del teatro, el Teatro Vivo se centra en aumentar la conciencia cultural. Desde su apertura en 2000, el Teatro Vivo ha dado vida a más de 40 producciones completas, ha colaborado con otras organizaciones artísticas en el área de Austin y ha realizado varios talleres de teatro para ayudar a enseñar el poder del teatro a las comunidades desfavorecidas. Al ser una de las pocas organizaciones teatrales latinas bilingües en Texas, el Teatro Vivo le da a Austin otra razón para ser único.

Corazón y espíritu, son dos cosas que utiliza Teatro Vivo para reflejar su misión de producir teatro latino culturalmente relevante que aborde problemas sociales críticos. Como una comunidad latina apasionada, el Teatro Vivo es un nuevo tipo de teatro basado en la cultura, la historia y la mitología de la experiencia latina. Su trabajo comparte historias que unen las brechas culturales y conectan a las generaciones con un testimonio apasionado de la experiencia humana, mientras exploran temas históricos y dilemas modernos.

Teatro Vivo promueve la cultura latina y la muestra en el escenario. El Teatro Vivo no solo expresa su misión de una manera culturalmente atractiva, sino que también se les reconoce por hacerlo. El Teatro Vivo ha ganado nominaciones para sus producciones de los Premios B. Iden Payne de Austin Creative Alliance y los Premios Austin Critics Table. El Teatro Vivo también ha sido reconocido por la Asociación Nacional de Arte y Cultura Latina y recibió fondos nacionales para su temporada 2007-2008.

Teatro Vivo ofrece oportunidades para que los hablantes de inglés y español experimenten la cultura latina en vivo en el escenario. Cada año, Teatro Vivo produce al menos dos producciones bilingües de larga duración y presenta el Austin Latino New Play Festival, donde los dramaturgos pueden mostrar sus nuevas obras y desarrollar la tradición que el Teatro Vivo tiene para ofrecer. Entonces, únase como una comunidad latina, venga a experimentar un nuevo tipo de cultura, venga a dejar que el Teatro Vivo encienda el fuego dentro de su corazón y alimente la pasión en su alma. Formar parte de una nueva familia de teatro.

Sociedad de teatro PUENTE

La Sociedad de Teatro PUENTE fue fundada en 1988 por la directora chilena Lina de Guevara, una inmigrante a Canadá, por su propia necesidad de contar su historia a través del teatro y conectarse con las artes en su nuevo país.

PUENTE ha producido una gran cantidad de obras originales como: “No nací aquí”, “Crossing Borders”, “Canadian Tango”, “Familya”, “Sisters / Strangers”, Of Roots and Racism, Theatre Against Racism, Act Now Against Racism, Storytelling Our Lives 1, Mosaico de cuentos, Cartas para Tomás, Cuentacuentos nuestras vidas 2, Shining Through, Heinz 57 y Con los brazos abiertos.

PUENTE ha colaborado con otras organizaciones, como Full Spectrum Arts Society, The Intercultural Association, MediaNet, Open Space Cultural Center, Cinevic, en la producción de obras de otras culturas. Las obras colaborativas producidas incluyen: La Casa de Bernarda Alba por Federico García Lorca, Evita y Victoria por Mónica Ottino, y Pastorela de Juan Tierra el Inmigrante por Jaime Silva. Algunas de estas obras han sido traducidas localmente; otras traducciones locales incluyen Something in the Air, Pereira Declares y Madame Mao.

Cada año, PUENTE, en colaboración con el Teatro Belfry, produce Wordplay, una serie de lecturas en escena de obras de todo el mundo.

Tango canadiense

El trabajo de PUENTE ha sido tema de varios videos, incluyendo Creación de puentes, Cambiar ritmos, Como el padre, Como el hijo, La historia de Rosa y Cambiar los pasos. Se han publicado numerosos artículos en Alt Theatre, Canadian Theatre Review y Alcachofa sobre la experiencia artística en este grupo teatral culturalmente diverso, como It Takes One to Know One, Sisters / Strangers: a Community Play, Wordplay: Creando conexiones a través de Play Readings , y el Festival de la Pastorela en la Ciudad de México.

Cartas para tomas

Las producciones de PUENTE han aparecido en Victoria Fringe, Vancouver Fringe, Women In View, Harrison Hot Springs, Canadian Popular Theatre Festivals en Edmonton y Guelph), y en festivales internacionales como el Theatre of the Oppressed (Río de Janeiro y Toronto) y Festival Hispanoamericano de Pastorelas (Ciudad de México). PUENTE ha participado en conferencias y talleres de teatro como Taller de Pastorelas (Tepic, México), Comunidad 98 (La Habana, Cuba) y Teatro de los oprimidos, con A. Boal (Isla Manitoulin y Seattle). Debido al prestigio de PUENTE, su directora fundadora, Lina de Guevara, fue invitada a ser oradora principal en la Conferencia IDEA (Asociación Internacional de Educadores de Arte Dramático) en Ottawa, el 4 de julio, y a enseñar en el United World College of North West en Nueva York. México en noviembre ’04 y en el Instituto del Teatro, Teatro Vision, San José, California, en julio ’05.

Guillermo Calderón

¿De qué se trata realmente esta obra? En la última obra de Guillermo Calderón, Kiss, un grupo de actores está trabajando arduamente para darse cuenta de eso mientras escenifican un melodrama de Siria que encontraron en Internet. En la primera de las cuatro escenas de Kiss (que se llevará a cabo del 10 de octubre al 6 de noviembre en la Woolly Mammoth Theatre Company en Washington, DC), los actores interpretan la obra siria. En la segunda escena, hablan a través de Skype con la mujer que han identificado como su dramaturgo. Desde el Líbano, aparece en una pantalla, disfrazada con una peluca y gafas de sol. Ella hace todo lo posible para explicar a los estadounidenses ansiosos, pero en gran medida despistados lo que significa la aparente telenovela: “La obra no se trata de los personajes en sí, sino de la audiencia que se reúne para verla y sentir durante unos minutos otra cosa, algo Eso no es guerra”, les dice.

Calderón no llevaba tonos y una mata de cabello rubio cuando conversamos por Skype en julio, y él no está trabajando en medio de una guerra violenta y caliente, pero se parecía mucho a esa mujer con tijereta que inventó cuando describió la suya. trabajo.

“Nunca pienso en el carácter cuando escribo”, dijo, hablando desde su ciudad natal de Santiago, Chile. “Estoy buscando una audiencia política muy íntima, personas un poco desprovistas como yo, tratando de encontrar, de nuevo, un sentido de comunidad”.

Calderón sin duda ha encontrado una audiencia, sea o no el izquierdista que está buscando. Calderón, reconocido durante la última década como el dramaturgo / director contemporáneo más importante de Chile, Calderón ha ganado numerosos premios en América Latina y sus obras de teatro se han convertido en elementos básicos en el circuito internacional de festivales. Han encontrado seguidores entusiastas en los Estados Unidos en lugares experimentales como el Festival Under the Radar de la Ciudad de Nueva York, el REDCAT de Los Ángeles y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Actualmente, Calderón está a punto de convertirse en un nombre más prominente en las listas de la temporada en los EE. UU.

Para un artista impulsado por ideas, incluso por ideología, eso puede parecer sorprendente. Pero hay una frescura y fuerza en el trabajo de Calderón, que combina la urgencia de la política con la alegría lúdica del teatro. Es divertido observar los resultados, incluso cuando insisten en que las audiencias se enfrentan a problemas profundamente preocupantes.

Hasta ahora, las obras de Calderón han asumido de manera inventiva la ruptura y las continuas repercusiones de la dictadura de Chile (1973-90). Dados, mordazmente graciosos y con tanto misterio como malicia, se preguntan, a menudo oblicuamente: ¿Cómo debe una nación recordar un pasado traumático y cómo debe corregir el trauma en curso?

Últimamente, él ha extendido su lente más allá de su tierra natal. Dividiendo su vida entre Nueva York, San Francisco y Santiago, el modesto y suave Calderón admite que se ha convertido en un artista internacional. Además de responder a la inminente guerra de Siria, Kiss es también la primera obra que ha escrito en inglés.

Una vuelta por los teatros de Santiago

Lo mejor de vastas y diversas ciudades como Santiago es que hay algo para todos. Los amantes de la comida pueden deleitarse con la variedad de restaurantes que se ofrecen, los aficionados al gimnasio tienen una buena cantidad de impresionantes vistas para disfrutar en la cima de las innumerables colinas para caminar. Y si lo tuyo es el teatro, entonces también estás de suerte. Santiago tiene una variedad de ofertas de teatro. Varios lugares ofrecen actuaciones musicales y teatrales semanalmente o incluso a diario.

Quizás la estructura teatral más famosa de Santiago es el Teatro Municipal, que es un teatro y teatro de ópera ubicado en el centro de Agustinas 794 (el que se puede acceder más fácilmente en la línea roja del metro de Santa Lucía). Este teatro es rico en historia: fue encargado por el entonces presidente Manuel Montt en 1853, destruido primero por un terremoto y luego por un incendio a principios del siglo XX, y reconstruido con un diseño arquitectónico más pequeño, pero más elaborado y detallado. Hoy en día, el teatro ofrece principalmente espectáculos musicales, como ballet, ópera y orquesta, pero también hay representaciones teatrales en escena de vez en cuando. Algunos espectáculos se pagan y otros son gratuitos, y los estudiantes y las personas mayores reciben un descuento.

Para otros tipos de arte teatral, debe mirar a los grupos de teatro en toda la ciudad. Hay varias compañías de actuación prominentes en Santiago que presentan actuaciones en una variedad de lugares. Algunos lugares son conocidos por albergar este tipo de espectáculos. Por ejemplo, el Centro Cultural Gabriela Mistral, ubicado en Av. Libertador Bernardo O’Higgins 227 (parada de metro de la Universidad Católica en la línea roja) alberga una variedad distintiva de exposiciones musicales, teatrales y teatrales a lo largo del mes. Diferentes grupos ocuparán los espacios de teatro durante un mes o dos a la vez, y las entradas generalmente se ejecutan entre 5.000 y 10.000 CLP.

También hay teatros privados más pequeños que ofrecen espectáculos rotativos, como Lastarria 90 (también ubicado cerca de Metro Universidad Católica, en José Victorino Lastarria 90) y Centro Mori, que cuenta con varias ubicaciones en la ciudad. Ambos de estos teatros tienen grupos “residentes” que ofrecen espectáculos, pero también albergan compañías itinerantes. Los aficionados al teatro también pueden consultar las ofertas en las universidades de la ciudad: los departamentos de teatro estudiantil de la Universidad Católica y la Universidad de Chile tienen una sólida reputación.

Al elegir una representación teatral, tenga en cuenta que la gran mayoría estará en español. Como tal, si no hablas el idioma, es recomendable que asistas a una actuación musical. Siempre intente comprar sus boletos con anticipación a través de Internet o por teléfono, y asegúrese de preguntar sobre los descuentos para estudiantes y adultos mayores. Además, tenga en cuenta que los periódicos locales El Mercurio y La Tercera tienen listas relativamente extensas de actividades culturales en la ciudad, que incluirán ofertas de teatro actuales.

Vuelta del teatro en Chile

El régimen de Pinochet destruyó la vida cultural en Chile. Ahora, por fin, el teatro vuelve a la vida. La tierra se movió para mí en Santiago la semana pasada.

Hablando de mi habitación de hotel, de repente sentí que el piso temblaba y reverberaba. Incluso tuve la fantasía de presentar una historia que coincida con el famoso titular aburrido que alguna vez inventó Claud Cockburn para The Times: Small Earthquake en Chile. Mientras que el temblor me dejó ligeramente sacudido, tuvo sus usos metafóricos. Más tarde, ese mismo día, un dramaturgo chileno me dijo que simbolizaba la fragilidad de la democracia en su país. Para mí, el temblor llegó a representar, de manera más optimista, los signos de agitación artística que vi en mi corta estancia.

Nadie puede subestimar los estragos causados por la dictadura militar de Pinochet de 1973 a 1990. “La cultura”, en palabras de mi dramaturgo amigo Benjamin Galemiri, “fue visto por Pinochet como un acto de terrorismo“. Bajo la doble amenaza de la censura estatal y la intimidación física, muchos artistas fueron silenciados. Es cierto que, a un grupo de teatro satírico, Ictus, se le permitió continuar, en parte como una válvula de seguridad y en parte porque era demasiado popular para ser anulado. Pero me contaron una historia horrible de cómo una noche, durante el intermedio, se le informó a un actor de Ictus que su hijo había sido asesinado por el régimen. No dispuesto a revelar su dolor a los opresores, el actor siguió actuando.

Los años de Pinochet son, afortunadamente, pasados, pero no olvidados. Mientras estaba en Santiago, se decidió legalmente que Pinochet ya no es inmune a la persecución. Y la película chilena más popular del momento, Machuca de Andrés Wood, que se muestra en el festival de cine de Edimburgo, trata vívidamente el derrocamiento de Allende, elegido democráticamente. Pero mi impresión abrumadora fue que Chile, una larga y delgada franja de un país geográficamente aislado por los Andes, está cambiando rápidamente. Arquitectónicamente, está lleno de nuevos rascacielos extravagantes conocidos colectivamente como Sanhattan. Además, teatralmente, está abriendo sus puertas al mundo exterior, en especial al escéptico drama opositor de la Gran Bretaña moderna.

Estuve en Santiago, como invitado del British Council, para el cuarto festival de drama europeo moderno. Se presentaron ocho obras de Francia, Alemania, España, Suiza y Gran Bretaña durante un período de dos semanas. Lo que me impresionó fue la variedad de trabajos que se ofrecían y la curiosidad voraz de los jóvenes. Los “Nosotros en la final” de Marc Becker utilizaron el fútbol como una metáfora de nuestra cultura competitiva de ganar o perder. La Inocencia de Dea Loher fue una pieza germánica extrañamente atmosférica sobre la desolación urbana. Los Forasteros de Sergi Belbel ofrecieron una visión española de la desintegración de la familia. Pero el ambiente se aligeró considerablemente con Anhelo de Corazón (El deseo del corazón) de Caryl Churchill, que fue uno de los mayores éxitos del festival, interpretado en un estilo maníaticamente cómico.

Esto puede ser una ligera sorpresa para Churchill, ya que su juego, la primera parte de un billete doble llamado Blue Heart, se consideró ampliamente absurdo cuando se lo mostró en Gran Bretaña en 1997. Es cierto que hay algo muy extraño en la forma en que se ve la acción. interrumpido y repetido mientras una pareja casada espera nerviosamente el regreso de su hija de Australia.

Pero en Santiago, la familia se jugaba como grotescos y grotescos que podrían haber salido de una película de Almodóvar; incluso la lujuria implícita del padre por su hija se puso ruidosamente en primer plano. Lo que surgió de la exuberante producción de Paulina García fue la fascinación de Churchill por uno de los grandes temas del drama moderno: desde The Iceman Cometh de O’Neill hasta Waiting for Godot de Beckett, el acto de esperar se ve como algo intrínsecamente dramático y simbólico de lo humano. condición.

Fuera del festival, también vi a otra Corte Real, la Psicosis 4.48 de Sarah Kane, tocando en uno de los 20 teatros establecidos de Santiago. Fue una ocasión extraordinaria. Las entradas, a £ 5 por cabeza, eran baratas. El público, una vez más, era joven. Y los dos actores y el director, Alfredo Castro, eran todos actores en un popular programa diurno que se había tomado el tiempo para presentar el poema dramático intransigente de Kane.

Precisamente porque es un texto que no asigna líneas a oradores individuales, el juego de Kane es susceptible de una reinterpretación sin fin. En el original de James Macdonald, las líneas se compartieron democráticamente entre tres actores.

En la producción igualmente hipnótica de Castro, el texto se convirtió en una confrontación entre el psiquiatra vigilante, taciturno y aburrido de Francisco Melo y la paciente angustiada y devastada de Claudia di Girolamo. En cierto sentido, era más como una obra de teatro convencional: una oposición entre la buena razón y el dolor auténtico. Pero Di Girolamo, en singlete, pantalones holgados y botas, cortó una figura inolvidable, yendo desde la ira antiautoritaria hasta el humor irónico y autocrítico. Y la producción de Castro, en un contexto clínico lleno de innumerables bombillas, fue magistral en el control del estado de ánimo.

Dramaturgos chilenos en uno de los escenarios más famosos del mundo.

Una docena de escritores chilenos se unieron a dramaturgos británicos y un director del Royal Court Theatre para desarrollar una serie de obras inspiradas en el Chile moderno.

Una docena de los dramaturgos más prometedores de Chile han estado recibiendo ayuda de uno de los teatros más conocidos del mundo, y ese trabajo finalmente ha llegado a buen término. A principios de este mes, cinco de sus obras fueron seleccionadas para una serie de lecturas en Londres para mostrar el drama chileno moderno.

El Royal Court Theatre, que abrió sus puertas en 1870, es famoso por sus contribuciones al drama moderno. Durante la última década, el teatro se ha centrado en gran medida en establecer relaciones en todo el mundo después de que comenzó a recibir fondos del British Council, una organización sin fines de lucro que se especializa en educación internacional y cooperación cultural.

Como parte de esos esfuerzos, el teatro, en conjunto con el Consejo Nacional de Cultura y Arte de Chile y la Fundación Santiago a Mil, comenzó a trabajar con dramaturgos en la nación andina en abril de 2012. La colaboración tenía como objetivo impulsar su escritura de obras basadas en La experiencia nacional diversa del país y la historia moderna única.

Esa cooperación se convirtió en reuniones directas durante el año pasado entre una docena de jóvenes dramaturgos chilenos y los escritores británicos Leo Butler y Nick Payne. La pareja, que se encuentra entre los dramaturgos británicos contemporáneos más destacados, ha sido descrita como dos de las “grandes esperanzas británicas” por el periódico londinense The Times.

Butler y Payne viajaron a Santiago tres veces con el director del Royal Court Theatre, Elyse Dodgson, para trabajar junto al grupo de dramaturgos chilenos, y cinco de las obras que produjeron se leyeron en el famoso Royal Court Theatre en Londres a principios de septiembre.

Las obras de teatro, que se leyeron como parte de un evento titulado “Nuevas obras de Chile”, trataron sobre las luchas que enfrenta la nación modernizadora, tales como las relaciones con las comunidades indígenas, la memoria de la dictadura de la nación que terminó en 1990 y la mayoría de edad para Santiago. La juventud en un mundo globalizado.

Entre las obras que se exhibieron estuvieron Red Set, de Florencia Martínez, sobre una familia que lucha por recordar a un miembro de su familia en coma, Negra, The General’s Nurse de Bosco Israel Cayo sobre la enfermera personal de un dictador muerto, y That Thing I Never Shared With You de Claudia Hidalgo sobre un padre que explica su oscuro pasado a su hija que alguna vez estuvo separada. Junto a estos también estaban Ñuke por David Arancibia sobre una madre en la comunidad mapuche indígena y ¡Chan! por Camila Le-Bert sobre dos jóvenes chilenos que se enamoraron mientras estaban en el extranjero, pero cuya relación se rompe cuando regresan a Santiago.

Obras del cine chileno

La Regia Orquesta Sextet y Valentín Trujillo exhiben De la pérgola hasta la negra, un viaje musical en el que participan estos clásicos chilenos del teatro musical del siglo 20: La pérgola de las flores de Isidora Aguirre y el músico Francisco Flores del Campo y La negra Ester de Roberto Parra, adecuada y dirigida por Andrés Pérez y con música de una gran Orquesta.

Estas dos historias de amor tienen como objetivo dar voz a las personas desfavorecidas, que quieren llevar la esperanza al país por la fuerza. Canciones como La pérgola de las flores, “Yo vengo de San Rosendo” y La revuelta comparten escenario con Jazz guachaca, La Negra Ester, Japonesita y muchas otras melodías que recorren el guante de la historia del teatro de Chile. Ambas piezas dignifican a los marginados, exponiendo sus complejidades, simplicidad y belleza, construyendo identidad y haciendo referencia a la música popular chilena del pasado.

La participación de Valentín Trujillo es fundamental para esta pieza, ya que tuvo el privilegio de haber vivido los períodos musicales y teatrales a los que se hace referencia.

Aquí les dejo una pequeña introducción a cada obra:

La pérgola de las flores. Además de ser un hito en la historia del teatro local, esta obra musical, que se estrenó en 1960, también fue una de las primeras piezas de su tipo en disfrutar del gran éxito fuera del país. Escrita por Isidora Aguirre con música de Francisco Flores del Campo y actuada por Carmen Barros, Ana González y Silvia Piñeiro como elenco principal, la obra fusiona una historia de amor con los problemas sociales y urbanos de Chile en la década de 1920, marcada por los enfrentamientos entre los más desfavorecidos y la clase alta. Se ha adaptado para cine y televisión y sigue siendo una de las obras más exitosas en la historia del teatro.

La negra Ester. Un clásico del teatro chileno que se estrenó en 1988 cuenta la vida amorosa entre el guitarrista Roberto y Ester, una prostituta. Conducida y adecuada por Andrés Pérez, la obra se inspiró en la poesía del inmortal folclorista chileno, Roberto Parra, y marcó un hito en la escena local debido a su naturaleza poética y estética específica. Ubicada en un burdel en el puerto de San Antonio, La negra Ester no solo quedo en la historia por su gran triunfo teatral sin antecedentes, sino también porque reconoce el valor de la cultura de la clase trabajadora. A lo largo de 30 años de historia, se ha realizado en todo Chile, así como en todo tipo de naciones desde Estados Unidos a Inglaterra.

Reconocida artista de Chile Manuela infante

Manuela Infante, un referente en Chile en la interpretación

El Laboratorio de Escritores de TheatreWorks invita a Singapur a la dramaturgo y directora alabada, Manuela Infante, a realizar un taller de interpretación.

Ya sea que tenga una idea en preparación o un trabajo en progreso, ¡este taller interdisciplinario lo llevará al próximo paso! Este taller está abierto a escritores, directores, artistas y diseñadores interesados en desarrollar su trabajo en colaboración.

Infante se centrará en diseñar y escribir con materiales de dibujo de lo que se crea en la sala de ensayo con los artistas. Al aplicar su metodología a su proceso creativo, explorará las teorías del teatro no antropocéntrico, en las que otras fuerzas como la luz, el sonido, las palabras y otras entidades no humanas encuentran tiempo y espacio para participar en la forja del trabajo.

Los participantes escribirán en el lugar, en el espacio de ensayo, y después del ensayo, rompiendo el enfoque convencional de escribir donde “las palabras son lo primero”.

En este taller, el cuerpo, el espacio y la improvisación están a la vanguardia, eliminando así al autor humano del centro de la creación.

Infante fue vista por última vez en Singapur presentando, Vegetative State como parte del Festival Internacional de las Artes de Singapur en 2017. Considera todas las obras como ensayos en un gran corpus de corrientes de pensamientos muy amplios que se derivan de distintos escritos teóricos, de ciencias y estudios culturales, caracterizándola El trabajo como una especie de ‘filosofía irresponsable’.

Infante es ampliamente celebrado por la reedición feminista de grandes figuras históricas, combinando humor slapstick y prosa.

Sus obras han realizado giras por todo el mundo y han sido ampliamente aplaudidas por la crítica y el público. Desde 2001 hasta 2016, formó parte del Teatro de Chile, uno de los grupos de teatro juvenil más reconocidos de Chile. El repertorio de obras de Infante incluye Fin (2008), coproducido y estrenado en el festival de Módena, Italia, ¿y What’s He Building in There? (2011), creado en residencia en The Watermill Center, y estrenado y mostrado en varios espacios en Nueva York. En 2012, dirigió “en la playa”, curada por Robert Wilson y estrenada en el Baryshnikov Arts Center de Nueva York; además de No Alimentar a los Humanos, se estrenó en Hebbel am Uffer en Berlín, Alemania. Infante también fue seleccionado como Director Artístico de la XVI Selección de Dramaturgos 2014, organizado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

El gran inicio del teatro en Chile

El Teatro en Chile

El teatro chileno es tan antiguo como el propio país. Dramaturgos y actores personifican rasgos esenciales de la identidad chilena.
El público se deslumbra aún más al visitar compañías internacionales de teatro callejero. En 2008, la compañía francesa de teatro Royal Deluxe trajo a la “pequeña niña gigante”, una niña que se mueve por la ciudad mide siete metros de altura y pesa una tonelada. En enero de 2009, el conjunto de teatro catalán “La Fura del Baus” atrajo a 70,000 personas frente al palacio presidencial “La Moneda”, con Lola, otra figura gigantesca hecha de cobre.

Un pionero y precursor de estos grandes espectáculos en el país fue El Teatro mezclado con elementos de circo, llamado circo teatro y su creador, Andrés Pérez. En 1988, esta compañía teatral chilena presentó La Negra Ester de Roberto Parra e hizo un impacto que marcó un “antes” y un “después” en el teatro chileno. Desde entonces, el teatro callejero se ha abierto a nuevos escritores y artistas, fomentando la creatividad y la experimentación.

Los inicios

El primer teatro de Santiago se llamó Coliseo y abrió su entrada en 1810. Ese mismo año, comenzó el proceso de emancipación de Chile. Principalmente, en esta época destaca unos de los mejores escritores de esta época, Camilo Henríquez, que fue editor del primer periódico en Chile. Desde entonces, El teatro ha representado varios períodos de la historia de la nación en tonos que van desde el realismo hasta la tragedia y la comedia.

En la primera mitad del siglo XX, el llamado “Teatro Obrero” o el Teatro de los Trabajadores desempeñó un papel importante. Con el aliento del líder político Luis Emilio Recabarren, el Teatro Obrero experimentó el punto más alto en su popularidad entre los trabajadores de los campos de nitrato, donde representó obras de teatro en los géneros del realismo y el costumbrismo. En 1936, protagonizaron Chañarcillo, del dramaturgo Antonio Acevedo Hernández, aclamado en la actualidad por su contenido social.

En la década de 1950 y gracias al dinamismo de los grupos teatrales universitarios, el teatro experimental adquirió un gran impulso. La generación de los 50, es la vanguardia chilena del teatro experimental, este grupo de dramaturgos impulso fuertemente el teatro nacional ya que muchas de sus obras destacaban con énfasis variables, incorporaron la crítica social, la recuperación de la historia del país y el folclore chileno en sus obras, junto con la búsqueda personal y la trascendencia.