El futuro de Chile en el escenario mundial

Si quieres saber qué temas serán los más importantes para Chile mañana, mira su teatro hoy. Así lo aconsejó Carmen Romero, directora ejecutiva de la Firma Teatro a Mil, productora del festival internacional anual de teatro de Chile. En enero, el 23 ° festival Santiago a Mil atrajo a casi medio millón de espectadores a sus 300 presentaciones en 67 espectáculos, 32 de ellos visitando desde el extranjero, desde lugares tan cercanos como Argentina y Uruguay, hasta Polonia, Corea y China.

Hubo conciertos de música, piezas de baile, espectáculos de circo, espectáculos al aire libre, teatro comunitario y muchas obras: realistas; postmoderno clásico; y una serie especial de producciones de Shakespeare, parte de la conmemoración mundial del 400 aniversario de su muerte. Todos estos eventos se dispersaron entre la metrópolis extensa y congestionada de Santiago. Y muchos viajaron a otras ciudades de chile.

Mi tiempo en Santiago se superpuso con la “Platea”, la parte del festival de una semana de duración, cuando los presentadores, productores y directores de festivales de todo el mundo están invitados a ver trabajo, unirse a conversaciones con artistas y escuchar paneles de discusión sobre tendencias contemporáneas. Especialmente en el Cono Sur. Los programadores vinieron de América del Sur y Central, los Estados Unidos, Europa y Australia.

No menos que el ministro de Relaciones Exteriores de Chile, Heraldo Muñoz, dio la bienvenida a los participantes de Platea, insistiendo en el valor del arte para expresar el carácter distintivo de Chile y construir relaciones interculturales. Claro, su apariencia señaló, en parte, el papel del festival al afirmar el estatus de Santiago como una ciudad global, pero también parecía un sincero aprecio por los artistas. Imagínese a nuestro secretario de estado saludando a los visitantes en, digamos, el festival Under the Radar de Nueva York y exaltando la importancia del teatro para la identidad nacional y las relaciones internacionales.

En un panel llamado “Contexto histórico de las artes escénicas en América Latina”, el semiótico Héctor Ponce se hizo eco de la afirmación de Romero: “El teatro muestra los síntomas de lo que está sucediendo en nuestra sociedad. El festival se convierte en una pantalla para mostrar el futuro. Es un laboratorio para nuestros imaginarios sociales”.

Decidí concentrarme la mayor parte de mi tiempo en juegos caseros para probar la máxima de Romero. ¿Qué proyectaron la media docena de obras chilenas que vi? Con una excepción: una hermosa y contundente ceremonia al aire libre de danza, percusión, canto y declamación, realizada por y sobre el pueblo mapuche indígena, dirigida por la estrella de arte internacional Lemi Ponifasio, un neozelandés de origen samoano, los mejores miraron hacia adentro  y ampliamente así.

El teatro chileno contemporáneo es conocido por confrontar los conflictos políticos actuales, la memoria histórica y el impacto persistente de la dictadura de Pinochet (1973 a 1990) en los estilos alegóricos, no lineales, meta-teatrales o sin adornos. Después de todo, el teatro emergió audazmente en la década de 1980 como uno de los pocos lugares para expresar la disidencia abierta contra la dictadura. Ese legado de la crítica aún impregna la etapa chilena.

Las piezas en el festival de este año, incluso por dramaturgos cuyas obras anteriores involucraron personajes revolucionarios, escenarios históricos y formas meta-teatrales, tendieron más hacia el realismo narrativo sobre la gente actual. Sin embargo, hicieron más que simplemente explorar las relaciones personales y las psicologías de los personajes; mostraron cómo el peso de las fuerzas políticas moldea sus luchas y cómo la realidad socioeconómica se filtra en sus relaciones íntimas. Se enfocaron en la generación de artistas de teatro para considerar cómo los sistemas sociales, especialmente la clase y el género, operan en sus vidas.

Nueva ola del teatro chileno

¿El teatro joven pertenece a los jóvenes? Pía Gutiérrez discute el estado actual del teatro en Santiago y, en esta serie, destaca a cuatro jóvenes artistas y compañías que están teniendo un gran impacto en Chile hoy. Este editorial es parte de la serie, Spotlight on Chile, que presenta artículos, entrevistas y perfiles de creadores de teatro y compañías que crean trabajos en Chile hoy.

En colaboración con Nicolás Román.

Hablar de teatro nuevo siempre es peligroso. En primer lugar, porque la vitalidad de las nuevas producciones no está vinculada a los creadores de teatro más jóvenes, y por lo tanto, lo que puede esperar es ambiguo. ¿El teatro joven pertenece a los jóvenes en el teatro chileno? En segundo lugar, porque las nuevas producciones son una promesa, y apostamos a que las cosas que nos iluminan hoy seguirán siendo fuertes con el tiempo, pero las estrellas realmente brillantes pueden ser solo estrellas viejas a punto de morir. Me gustaría hablar ahora sobre el trabajo de cuatro creadores de teatro en sus 30 años, que creo que tienen propuestas tan renovadas e impresionantes que pueden considerarse una nueva ola del teatro chileno.

Aunque hay muchos nombres dando vueltas en mi cabeza (y permítame decirlo porque estoy siendo injusto con todos los que no nombraré), quiero dedicar este texto a cuatro artistas / compañías que me hacen Inquieto como miembro de la audiencia y ciudadano chileno. Esos cuatro ejemplos me hacen pensar en nuevas experiencias teatrales que se proyectan con amargura en nuestro contexto. Me refiero al trabajo de la directora de Paula González, la empresa Niño Proletario, Los Contadores Auditores y la empresa, La Resentida.

Pienso que la emergencia teatral que nos está inundando, a veces de una manera reflexiva e ingeniosa, y otras veces, como parte de la reproducción de discursos modelo, puede deberse a varias razones. Una de ellas es que nunca antes en nuestro país hemos tenido las condiciones materiales para producir teatro en esta magnitud. Estas condiciones son: la multiplicidad de escuelas para los actores escénicos; la solidificación de nuevos espacios y lugares de cultura, al menos en la capital; Las medidas políticas para financiar el teatro a través del fondo FONDART (la financiación de las artes). Este fondo, a pesar de tener un aspecto ambiguo, problemático y con pérdidas, especialmente cuando hablamos de proyectos creativos a largo plazo, mantiene un flujo de producciones anuales más grande que cualquier otra medida tomada en otras áreas.

Además de esto, el teatro chileno tiene una nueva relevancia en el ámbito internacional, ya que está siendo promovido en gran medida por la productora FITAM. FITAM organiza el festival internacional “Santiago a Mil”. Esta nueva relevancia del teatro chileno en el extranjero también puede deberse a la circulación colaborativa que varios artistas mantienen con empresas de otros países. Todos estos factores están dando cierta estabilidad a la producción teatral en Chile hoy en día que fue difícil de encontrar en otros momentos. Este asunto, sin duda, tiene sus pros y sus contras.

En esta situación, ir al teatro chileno en Santiago, que es la ciudad en la que vivo y al teatro, puede convertirse en una tarea compleja de cumplir. Primero, porque la información sobre los espectáculos realizados en lugares no oficiales es difícil de encontrar y, a veces, es infinita y secreta. En segundo lugar, porque los lugares oficiales, especialmente el GAM, se han convertido en el buque insignia de la producción cultural en Santiago y en una parte importante del proyecto gubernamental sobre las formas del consumismo teatral y de las artes en general.

Esta centralización se ha oscurecido y, tal vez, ha hecho precaria la programación de otros lugares como Matucana 100, Teatro del Puente o Lastarria 90, que, hace algunos años, solían ser lugares emergentes realmente importantes. Estos tres lugares incluso robaron algunas audiencias de los teatros de la universidad.

Los chilenos para conocer – Andrés Pérez artista, actor, director y dramaturgo

Andrés Pérez (1951 – 2002) fue un artista, actor, bailarín, director, coreógrafo y dramaturgo. Su mayor legado, aparte de la obra más popular de Chile, “La Negra Ester”, fue la creación de un teatro que conmovió los corazones y la imaginación de una amplia audiencia, en Chile y en el extranjero. Trajo una nueva perspectiva al teatro en el país, mezclando teatro con acrobacias, drama con música y canciones. Él le ofreció a su público un escape de sus vidas diarias para ingresar a un mundo maravilloso, aunque sea por un par de horas.

Andrés Pérez, nacido en Punta Arenas, vivió en Santiago después de haber pasado su adolescencia en la ciudad norteña de Tocopilla. Estudió dos años en una escuela de seminario e ingeniería en la universidad, antes de estudiar teatro en la Universidad de Chile.

Sus orígenes teatrales se encuentran en el teatro de calle. En una entrevista afirmó que después de terminar la universidad actuó por necesidad. “Tuvimos que hacer teatro callejero porque no teníamos dinero para pagar un teatro. Con otros actores, nos acabábamos de graduar de la universidad, no nos llamaban para ver televisión, un lugar en el que uno cree que puede ganar dinero, así que Eso nos llevó a la calle “.

Como resultado de su trabajo en teatro callejero en Chile, en 1982 fue invitado a ir a Francia para trabajar y estudiar con Arianne Mnouchkine, fundadora del Théâtre du Soleil.

Allí, dijo que obtuvo una maestría en teatro callejero: “Aprendí el arte tradicional de la comedia. Se especializan en trabajar con máscaras, pantomima y técnicas circenses. El teatro está vivo y todos los días nos preguntamos ‘¿qué es el teatro?‘”

Pérez veía el teatro como un espejo de la sociedad. En una entrevista dijo una vez: “Los actores son traductores en un espacio y en ese momento de las palabras escritas por el autor. Los actores traducen usando sus cuerpos, su voz, su imaginación y su arte”.

A su regreso a Chile en 1988, él y sus ex compañeros de clase universitarios se reunieron y crearon el Gran Circo Teatro. Pérez dijo que, como su primera obra de teatro, sintió la necesidad de contar una historia de amor. Esta historia de amor debía ser “La Negra Ester”, una pieza clave en la historia del teatro chileno y la producción teatral chilena más exitosa a nivel nacional e internacional, gracias al explosivo espíritu festivo que generó entre los espectadores.

La obra es una adaptación de “Las Décimas de la Negra Ester” de Roberto Parra, hermano menor de Violeta y Nicanor Parra, que es una representación biográfica de su relación con una prostituta en el puerto chileno de San Antonio.

De “La Negra Ester”, Pérez dijo una vez que el montaje de la obra “se realizó con total alegría, sin expectativas … nos alegramos de haber estado reunidos entre amigos”.

Pérez escribió y actuó en muchas obras hasta su muerte en 2002. Por una obra, “La consagración de la Pobreza”, Pérez recaudó fondos durante siete meses vendiendo comida en las calles. La compañía de teatro también montó una adaptación de Popol Vuh, la historia de la creación de los mayas.

Adaptó “El Desquite”, una obra originalmente de Roberto Parra que se desarrolla en la década de 1920 en las afueras de Chillán, y describe la institución del patrocinio como un ejercicio de poder, especialmente hacia las mujeres. A nivel internacional, la obra se abrió en Alemania y luego fue adaptada para cine y televisión por el director chileno Andrés Wood.

La última obra de Pérez, “La Huida”, que escribió, dirigió y protagonizó, se inauguró en 2001. Se trata de la persecución a los homosexuales en Chile desde los años 1927 a 1932 durante el gobierno del general Carlos Ibáñez.

Andrés Pérez, trajo una nueva perspectiva al teatro en Chile. Él y Gran Circo Teatro no solo trabajaron con la tradición chilena, sino que también llevaron obras tradicionales, como Shakespeare, al público y siempre con un toque especial.

De su trabajo, Andrés Pérez dijo que le gustaba intervenir y transformar lugares. Le gustó la idea de que el público entrara a un lugar y dejara el que venía de atrás: “Que ingreses al cabaret de La Negra Ester, a un castillo de Shakespeare o al circo de la Consagración de la Pobreza. Tiene que ver con tu infancia, Cuando se crearon casas, una casa de árbol, una tienda … “

Si alguna vez ve un anuncio de una obra de teatro de Gran Circo, ya sea su último trabajo o “La Negra Ester”, no lo dude, compre entradas y prepárese para una escapada garantizada y una noche divertida.

Teatro Vivo

Teatro Vivo se dedica a origina teatro bilingüe de buena calidad asequible para todos. Teatro Vivo refleja el corazón y el alma del ambiente latino al abrir una ventana única para que todos compartan esta experiencia.

Nuestra misión:

Inspirado en el poder del teatro para educar y entretener, el Teatro Vivo produce y promueve el teatro latino que muestra la experiencia latina, accesible a todos los públicos, especialmente a los menos favorecidos por las artes.

Teatro Vivo:
Produce teatro relevante sobre temas sociales críticos.
• Produce nuevas obras de teatro latino.
hace que las actuaciones estén disponibles al ofrecer entradas gratuitas o reducidas para personas con barreras económicas y para audiencias no tradicionales.
apoya a los artistas teatrales latinos para desarrollar su oficio.

¿Qué es el Teatro Vivo?

La cultura, las artes y el patrimonio nos hacen quienes somos. El teatro Vivo da vida a estas cosas. Impulsado por el poder del teatro, el Teatro Vivo se centra en aumentar la conciencia cultural. Desde su apertura en 2000, el Teatro Vivo ha dado vida a más de 40 producciones completas, ha colaborado con otras organizaciones artísticas en el área de Austin y ha realizado varios talleres de teatro para ayudar a enseñar el poder del teatro a las comunidades desfavorecidas. Al ser una de las pocas organizaciones teatrales latinas bilingües en Texas, el Teatro Vivo le da a Austin otra razón para ser único.

Corazón y espíritu, son dos cosas que utiliza Teatro Vivo para reflejar su misión de producir teatro latino culturalmente relevante que aborde problemas sociales críticos. Como una comunidad latina apasionada, el Teatro Vivo es un nuevo tipo de teatro basado en la cultura, la historia y la mitología de la experiencia latina. Su trabajo comparte historias que unen las brechas culturales y conectan a las generaciones con un testimonio apasionado de la experiencia humana, mientras exploran temas históricos y dilemas modernos.

Teatro Vivo promueve la cultura latina y la muestra en el escenario. El Teatro Vivo no solo expresa su misión de una manera culturalmente atractiva, sino que también se les reconoce por hacerlo. El Teatro Vivo ha ganado nominaciones para sus producciones de los Premios B. Iden Payne de Austin Creative Alliance y los Premios Austin Critics Table. El Teatro Vivo también ha sido reconocido por la Asociación Nacional de Arte y Cultura Latina y recibió fondos nacionales para su temporada 2007-2008.

Teatro Vivo ofrece oportunidades para que los hablantes de inglés y español experimenten la cultura latina en vivo en el escenario. Cada año, Teatro Vivo produce al menos dos producciones bilingües de larga duración y presenta el Austin Latino New Play Festival, donde los dramaturgos pueden mostrar sus nuevas obras y desarrollar la tradición que el Teatro Vivo tiene para ofrecer. Entonces, únase como una comunidad latina, venga a experimentar un nuevo tipo de cultura, venga a dejar que el Teatro Vivo encienda el fuego dentro de su corazón y alimente la pasión en su alma. Formar parte de una nueva familia de teatro.

Sociedad de teatro PUENTE

La Sociedad de Teatro PUENTE fue fundada en 1988 por la directora chilena Lina de Guevara, una inmigrante a Canadá, por su propia necesidad de contar su historia a través del teatro y conectarse con las artes en su nuevo país.

PUENTE ha producido una gran cantidad de obras originales como: “No nací aquí”, “Crossing Borders”, “Canadian Tango”, “Familya”, “Sisters / Strangers”, Of Roots and Racism, Theatre Against Racism, Act Now Against Racism, Storytelling Our Lives 1, Mosaico de cuentos, Cartas para Tomás, Cuentacuentos nuestras vidas 2, Shining Through, Heinz 57 y Con los brazos abiertos.

PUENTE ha colaborado con otras organizaciones, como Full Spectrum Arts Society, The Intercultural Association, MediaNet, Open Space Cultural Center, Cinevic, en la producción de obras de otras culturas. Las obras colaborativas producidas incluyen: La Casa de Bernarda Alba por Federico García Lorca, Evita y Victoria por Mónica Ottino, y Pastorela de Juan Tierra el Inmigrante por Jaime Silva. Algunas de estas obras han sido traducidas localmente; otras traducciones locales incluyen Something in the Air, Pereira Declares y Madame Mao.

Cada año, PUENTE, en colaboración con el Teatro Belfry, produce Wordplay, una serie de lecturas en escena de obras de todo el mundo.

Tango canadiense

El trabajo de PUENTE ha sido tema de varios videos, incluyendo Creación de puentes, Cambiar ritmos, Como el padre, Como el hijo, La historia de Rosa y Cambiar los pasos. Se han publicado numerosos artículos en Alt Theatre, Canadian Theatre Review y Alcachofa sobre la experiencia artística en este grupo teatral culturalmente diverso, como It Takes One to Know One, Sisters / Strangers: a Community Play, Wordplay: Creando conexiones a través de Play Readings , y el Festival de la Pastorela en la Ciudad de México.

Cartas para tomas

Las producciones de PUENTE han aparecido en Victoria Fringe, Vancouver Fringe, Women In View, Harrison Hot Springs, Canadian Popular Theatre Festivals en Edmonton y Guelph), y en festivales internacionales como el Theatre of the Oppressed (Río de Janeiro y Toronto) y Festival Hispanoamericano de Pastorelas (Ciudad de México). PUENTE ha participado en conferencias y talleres de teatro como Taller de Pastorelas (Tepic, México), Comunidad 98 (La Habana, Cuba) y Teatro de los oprimidos, con A. Boal (Isla Manitoulin y Seattle). Debido al prestigio de PUENTE, su directora fundadora, Lina de Guevara, fue invitada a ser oradora principal en la Conferencia IDEA (Asociación Internacional de Educadores de Arte Dramático) en Ottawa, el 4 de julio, y a enseñar en el United World College of North West en Nueva York. México en noviembre ’04 y en el Instituto del Teatro, Teatro Vision, San José, California, en julio ’05.

Dramaturgos chilenos en uno de los escenarios más famosos del mundo.

Una docena de escritores chilenos se unieron a dramaturgos británicos y un director del Royal Court Theatre para desarrollar una serie de obras inspiradas en el Chile moderno.

Una docena de los dramaturgos más prometedores de Chile han estado recibiendo ayuda de uno de los teatros más conocidos del mundo, y ese trabajo finalmente ha llegado a buen término. A principios de este mes, cinco de sus obras fueron seleccionadas para una serie de lecturas en Londres para mostrar el drama chileno moderno.

El Royal Court Theatre, que abrió sus puertas en 1870, es famoso por sus contribuciones al drama moderno. Durante la última década, el teatro se ha centrado en gran medida en establecer relaciones en todo el mundo después de que comenzó a recibir fondos del British Council, una organización sin fines de lucro que se especializa en educación internacional y cooperación cultural.

Como parte de esos esfuerzos, el teatro, en conjunto con el Consejo Nacional de Cultura y Arte de Chile y la Fundación Santiago a Mil, comenzó a trabajar con dramaturgos en la nación andina en abril de 2012. La colaboración tenía como objetivo impulsar su escritura de obras basadas en La experiencia nacional diversa del país y la historia moderna única.

Esa cooperación se convirtió en reuniones directas durante el año pasado entre una docena de jóvenes dramaturgos chilenos y los escritores británicos Leo Butler y Nick Payne. La pareja, que se encuentra entre los dramaturgos británicos contemporáneos más destacados, ha sido descrita como dos de las “grandes esperanzas británicas” por el periódico londinense The Times.

Butler y Payne viajaron a Santiago tres veces con el director del Royal Court Theatre, Elyse Dodgson, para trabajar junto al grupo de dramaturgos chilenos, y cinco de las obras que produjeron se leyeron en el famoso Royal Court Theatre en Londres a principios de septiembre.

Las obras de teatro, que se leyeron como parte de un evento titulado “Nuevas obras de Chile”, trataron sobre las luchas que enfrenta la nación modernizadora, tales como las relaciones con las comunidades indígenas, la memoria de la dictadura de la nación que terminó en 1990 y la mayoría de edad para Santiago. La juventud en un mundo globalizado.

Entre las obras que se exhibieron estuvieron Red Set, de Florencia Martínez, sobre una familia que lucha por recordar a un miembro de su familia en coma, Negra, The General’s Nurse de Bosco Israel Cayo sobre la enfermera personal de un dictador muerto, y That Thing I Never Shared With You de Claudia Hidalgo sobre un padre que explica su oscuro pasado a su hija que alguna vez estuvo separada. Junto a estos también estaban Ñuke por David Arancibia sobre una madre en la comunidad mapuche indígena y ¡Chan! por Camila Le-Bert sobre dos jóvenes chilenos que se enamoraron mientras estaban en el extranjero, pero cuya relación se rompe cuando regresan a Santiago.

Obras del cine chileno

La Regia Orquesta Sextet y Valentín Trujillo exhiben De la pérgola hasta la negra, un viaje musical en el que participan estos clásicos chilenos del teatro musical del siglo 20: La pérgola de las flores de Isidora Aguirre y el músico Francisco Flores del Campo y La negra Ester de Roberto Parra, adecuada y dirigida por Andrés Pérez y con música de una gran Orquesta.

Estas dos historias de amor tienen como objetivo dar voz a las personas desfavorecidas, que quieren llevar la esperanza al país por la fuerza. Canciones como La pérgola de las flores, “Yo vengo de San Rosendo” y La revuelta comparten escenario con Jazz guachaca, La Negra Ester, Japonesita y muchas otras melodías que recorren el guante de la historia del teatro de Chile. Ambas piezas dignifican a los marginados, exponiendo sus complejidades, simplicidad y belleza, construyendo identidad y haciendo referencia a la música popular chilena del pasado.

La participación de Valentín Trujillo es fundamental para esta pieza, ya que tuvo el privilegio de haber vivido los períodos musicales y teatrales a los que se hace referencia.

Aquí les dejo una pequeña introducción a cada obra:

La pérgola de las flores. Además de ser un hito en la historia del teatro local, esta obra musical, que se estrenó en 1960, también fue una de las primeras piezas de su tipo en disfrutar del gran éxito fuera del país. Escrita por Isidora Aguirre con música de Francisco Flores del Campo y actuada por Carmen Barros, Ana González y Silvia Piñeiro como elenco principal, la obra fusiona una historia de amor con los problemas sociales y urbanos de Chile en la década de 1920, marcada por los enfrentamientos entre los más desfavorecidos y la clase alta. Se ha adaptado para cine y televisión y sigue siendo una de las obras más exitosas en la historia del teatro.

La negra Ester. Un clásico del teatro chileno que se estrenó en 1988 cuenta la vida amorosa entre el guitarrista Roberto y Ester, una prostituta. Conducida y adecuada por Andrés Pérez, la obra se inspiró en la poesía del inmortal folclorista chileno, Roberto Parra, y marcó un hito en la escena local debido a su naturaleza poética y estética específica. Ubicada en un burdel en el puerto de San Antonio, La negra Ester no solo quedo en la historia por su gran triunfo teatral sin antecedentes, sino también porque reconoce el valor de la cultura de la clase trabajadora. A lo largo de 30 años de historia, se ha realizado en todo Chile, así como en todo tipo de naciones desde Estados Unidos a Inglaterra.

El gran inicio del teatro en Chile

El Teatro en Chile

El teatro chileno es tan antiguo como el propio país. Dramaturgos y actores personifican rasgos esenciales de la identidad chilena.
El público se deslumbra aún más al visitar compañías internacionales de teatro callejero. En 2008, la compañía francesa de teatro Royal Deluxe trajo a la “pequeña niña gigante”, una niña que se mueve por la ciudad mide siete metros de altura y pesa una tonelada. En enero de 2009, el conjunto de teatro catalán “La Fura del Baus” atrajo a 70,000 personas frente al palacio presidencial “La Moneda”, con Lola, otra figura gigantesca hecha de cobre.

Un pionero y precursor de estos grandes espectáculos en el país fue El Teatro mezclado con elementos de circo, llamado circo teatro y su creador, Andrés Pérez. En 1988, esta compañía teatral chilena presentó La Negra Ester de Roberto Parra e hizo un impacto que marcó un “antes” y un “después” en el teatro chileno. Desde entonces, el teatro callejero se ha abierto a nuevos escritores y artistas, fomentando la creatividad y la experimentación.

Los inicios

El primer teatro de Santiago se llamó Coliseo y abrió su entrada en 1810. Ese mismo año, comenzó el proceso de emancipación de Chile. Principalmente, en esta época destaca unos de los mejores escritores de esta época, Camilo Henríquez, que fue editor del primer periódico en Chile. Desde entonces, El teatro ha representado varios períodos de la historia de la nación en tonos que van desde el realismo hasta la tragedia y la comedia.

En la primera mitad del siglo XX, el llamado “Teatro Obrero” o el Teatro de los Trabajadores desempeñó un papel importante. Con el aliento del líder político Luis Emilio Recabarren, el Teatro Obrero experimentó el punto más alto en su popularidad entre los trabajadores de los campos de nitrato, donde representó obras de teatro en los géneros del realismo y el costumbrismo. En 1936, protagonizaron Chañarcillo, del dramaturgo Antonio Acevedo Hernández, aclamado en la actualidad por su contenido social.

En la década de 1950 y gracias al dinamismo de los grupos teatrales universitarios, el teatro experimental adquirió un gran impulso. La generación de los 50, es la vanguardia chilena del teatro experimental, este grupo de dramaturgos impulso fuertemente el teatro nacional ya que muchas de sus obras destacaban con énfasis variables, incorporaron la crítica social, la recuperación de la historia del país y el folclore chileno en sus obras, junto con la búsqueda personal y la trascendencia.