El drama bélico del dramaturgo chileno Guillermo Calderón.

LOS ÁNGELES: los aficionados al cine el año pasado tuvieron la oportunidad de ver la fantástica película biográfica de Pablo Larraín, Neruda, sobre el poeta comunista y galardonado con el Premio Nobel Pablo Neruda. Presentó un guión brillantemente imaginativo de Guillermo Calderón, aclamado como “el dramaturgo y director de teatro más aclamado de Chile en las últimas dos décadas” por Los Angeles Times.

Cuando escuché que Kiss, una de sus obras, estaba recibiendo su estreno en la costa oeste, me apresuré a reservar boletos. Kiss tuvo su estreno europeo en Düsseldorf en 2014. El estreno en Norteamérica fue presentado por Woolly Mammoth en Washington, DC, en 2016, y además de L.A. se está produciendo en Canadian Stage Company en 2017.

La premisa de apertura de la obra es que cuatro amigos actores se reúnen en Damasco, Siria, para ver su telenovela favorita: Musalsalaat en árabe. Es útil saber que a medida que aumentó el acceso a la televisión por satélite en todo el mundo árabe, decenas de millones de personas desde Marruecos hasta el Golfo Pérsico sintonizaron lo que en poco tiempo se convirtió en mini-dramas de una naturaleza cada vez más picante, explorando temas controvertidos como el adulterio, Abuso doméstico y terrorismo.

Pero pronto surgen preguntas. ¿Estamos realmente en Damasco? Los actores no se visten ni hablan como sirios. ¿Están en tiempo real o están representando un episodio favorito del programa? ¿Dónde está esa cena que se suponía que iban a disfrutar juntos? ¿Es algo realmente lo que parece ser?

Kiss es una obra teatral única“, dice el director Bart DeLorenzo de este trabajo de 80 minutos sin interrupciones. “Es un entretenimiento emocionante tan retorcido y sorprendente como el mejor melodrama, pero también un juego político sorprendente, y, sobre todo, un fascinante examen de la naturaleza misma del teatro político”.

War and upheaval ha informado profundamente el trabajo premiado de Calderón, ahora con sede en Nueva York. Nacido en 1971 en el apogeo de la alianza de unidad popular de izquierda de Salvador Allende, llegó a la mayoría de edad bajo el brutal régimen dictatorial de Augusto Pinochet (el tío de Calderón fue asesinado por la policía de seguridad de Pinochet). En los años de democracia tentativa que siguieron a Pinochet, Calderón y su círculo teatral lucharon por crear un teatro honesto que dijera lo que querían decir, y descubrir qué era eso. A estas alturas, Calderón es autor de una docena de obras de teatro de carácter provocativo y provocador. Se ha convertido en uno de los dramaturgos más producidos de América Latina.

Como cualquier ciudadano del mundo que contempla la terrible situación en Siria, los miembros de la audiencia de Kiss se preguntarán qué es real y qué es ficción. ¿Qué fuentes se pueden creer? ¿De qué lado vale la pena apoyar? ¿Es este juego menos sobre los personajes, y no sobre los actores, y más sobre el público y qué presuposiciones llevamos cuando entramos en el teatro?

¿Podemos incluso confiar en las palabras que escuchamos? Una profesión abierta de amor puede ser escuchada más raramente en Estados Unidos que en una telenovela en idioma árabe. ¿Las palabras significan lo mismo? ¿Beso? ¿Sí? ¿Tos? ¿Un corazón roto? ¿Significan lo mismo en tiempos de guerra que en tiempos de paz? ¿O la urgencia y el peligro y la muerte cambian su valencia? ¿Quién escribió ese episodio de telenovela de todos modos?

El ‘2666’ de Roberto Bolano es una noche de teatro larga y complicada

La abrumadora novela modernista de Roberto Bolano “2666” se publicó en 2004, un año después de la muerte del autor nacido en Chile, resultado de una insuficiencia hepática, tal vez de un hábito de heroína en una etapa anterior de su vida, aunque existe un debate sobre ese tema.

Presumiblemente, “2666” no estaba completamente terminado, aunque el trabajo abarca 898 páginas impresas (en comparación, “Ulysses” es de 700 a 800 páginas, según su edición). “2666” se escribió en español y en España, donde Bolano vivió más tarde en su vida, después de un período en México, donde fue un destacado poeta, socialista y surrealista, y aventuras variadas en su Chile natal, donde Augusto Pinochet podría haber tenido Lo mató (esto también es un punto de discusión biográfico).

Pero sí tenemos la ambiciosamente ambiciosa adaptación teatral de “2666” de Robert Falls y Seth Bockley, que se ejecuta de forma asombrosa durante 5 horas y media en el Teatro Owen del Teatro Goodman, haciendo de este uno de los espectáculos más largos jamás producidos en este teatro. ciudad del amor. En comparación, “The Iceman Cometh” de Falls fue unos 45 minutos más corto.

Los “Ángeles en América” de Tony Kushner eran más largos, supongo, pero eran dos jugadas. El “2666” de Goodman ni siquiera viene con una pausa para la comida: solo tres intermedios cortos entre una cantidad incomparable de drama de todas las tendencias. Después de un día difícil en la oficina … bueno, esto no es algo que uno consume sabiamente después de un día difícil en la oficina. Mejor ir a correr primero.

La producción fue financiada por la primera subvención de Roy Cockrum, el ex monje que estudió teatro en la Universidad Northwestern y ganó $ 259 millones con un boleto de Powerball que compró en Tennessee.

Un grupo de actores de Chicago enormemente trabajador y comprometido cuenta esta historia colosal, que incluye a Charín Álvarez, Janet Ulrich Brooks, Yadira Correa, Sandra Delgado, Jonathan Weir (que tiene cierta autoridad moral) y Mark L. Montgomery (cuyo papel es En la cola del cuento). El espectáculo está, sin duda, en su mejor momento en la primera y la última parte, donde la obra teatral es tan rica como el paisaje emocional.

¿Deberías ver “2666”? Claro, si eres un aficionado del teatro de Chicago. Es un elemento importante en la obra de las cataratas en constante desarrollo (una vez más, uno de los grandes placeres de la vida cultural en la ciudad), pero no su pie más seguro o completo. La pelea de premios está en movimiento perpetuo.

Pero entonces, sospecho que él sabía que sería así todo el tiempo.

Carmen Aguirre y sus mejores obras

Seis años después de huir del golpe militar de 1973 en Chile, Carmen Aguirre, de once años, y su familia regresan para unirse a la resistencia clandestina. A los dieciocho años, Carmen se compromete con el movimiento, dirigiendo una casa segura en la frontera entre Chile y Argentina. Al perder su primer matrimonio por las presiones de la vida revolucionaria, y vivir con el miedo siempre presente de la captura y la tortura, Carmen se da cuenta de los sacrificios que ella, quien ama incondicionalmente la causa, debe hacer.

Quince años después, en Los Ángeles, Carmen, una vez más, da todo de sí misma, por amor de un tipo diferente. Ella comienza una relación sexualmente apasionada pero emocionalmente imposible con una hermosa estrella de la televisión chicana a quien ella persigue tan implacablemente como ella misma fue cazada.

Al enfatizar las tensiones entre estas dos modalidades de amor, el monólogo sexy, veloz y oscuramente cómico de Aguirre finalmente pregunta: Entre los extremos del amor por la causa política y el amor por el otro, ¿cómo y dónde se crea un espacio para el amor propio?

El gatillo

Basada en su propia experiencia como víctima de violación, la obra de Carmen Aguirre, The Trigger, es un testimonio de la resistencia y el triunfo del espíritu humano y su capacidad para trascender incluso las circunstancias más horribles y terroríficas.

“The Trigger es un nocaut … inteligente, poderoso, divertido, horrible, teatralmente impresionante y completamente libre de victimología”.

Chile Con Carne

Es un oscuro espectáculo cómico sobre el tema del exilio, el choque cultural y el racismo interiorizado desde el punto de vista de un refugiado chileno de ocho años a mediados de la década de 1970 en Vancouver.

“El ingenioso monólogo semi autobiográfico de Carmen Aguirre sobre cómo crecer como refugiado del régimen chileno de Pinochet, captura vívidamente los sentimientos de un niño dividido entre dos mundos“. – El globo y el correo.

El Hotel Refugiado

Ubicados en un hotel en decadencia en 1974, solo unos meses después del inicio del infame régimen de Pinochet, ocho refugiados chilenos luchan, a veces sin esperanzas, a veces profundamente, para decidir si huir de su país significa que han abandonado a sus amigos y responsabilidades o no

Los detalles autobiográficos ficticios de esta obra ganadora del Premio Jessie son las verdades universales que las víctimas y los sobrevivientes de la opresión política siguen experimentando en todas partes: el terror de la persecución, el arresto y la tortura; la euforia agotada de escapar; el trauma de aprender a vivir de nuevo con las pérdidas, traiciones y agonías del pasado; la culpa irracional del sobreviviente, incluso la tragedia de sobrevivir a las pesadillas del pasado solo para que regresen a desafiar cualquier esperanza del futuro.

“Llena de asombro y terror … la batalla entre el coraje y la cobardía cobra mucha importancia aquí; el deber de uno mismo o de la gente es un compromiso interno constante … chistoso … desgarrador”.

Grupo de teatro vocacional Universidad de Santiago.

El Grupo de teatro vocacional de la Universidad de Santiago nació en 1984, debido a la necesidad de dar una mayor proyección al trabajo realizado por los estudiantes de los talleres de Teatro Integral niveles I, II y III, impartidos por el Departamento de Actividades Culturales de Nuestra Universidad (hoy la Dirección de Extensión y Actividades Culturales) a cargo de Brana Vantman, docente de teatro y director.

Su primer montaje fue El Tony Chico, de Luis Alberto Heiremans, presentado en 1984.

El elenco fundador del Teatro Vocacional de la Universidad de Santiago estuvo formado por 18 estudiantes de diferentes carreras, como la Licenciatura en Bellas Artes, Ingeniería, la Licenciatura en español y la Licenciatura en inglés.

Otros montajes realizados por el grupo fueron: “Se ve la suerte gratis” obra original de Ana Osorio, miembro del grupo; “Mascaradas”, creación colectiva del Teatro Vocacional; “Cortázar Nuestra Mirada”, colección creativa del Teatro Vocacional; “Transparencias” creación colectiva del Teatro Vocacional inspirado en “Oda al Aire”, de Pablo Neruda; “Rte. Laura del Mar”, trabajo de investigación que proporciona un resultado dramatúrgico.

Hasta 1991, las actuaciones y giras tuvieron lugar en diferentes campus universitarios. Asimismo, podemos destacar la creación del espacio teatral El Zócalo, donde se dieron varias temporadas.

En el segundo semestre del año 2000, y siempre con la dirección de Brana Vantman, se retomó el proyecto TEATRO VOCACIONAL de la Universidad de Santiago, formado por estudiantes de nuestra Universidad que han terminado los talleres de Teatro I y II.
El grupo de teatro vocacional trabaja sistemáticamente, y sus miembros están en permanente formación y mejora.

Entre los montajes que ha realizado el grupo vocacional, tenemos: “El daño”, adaptación gratuita de la obra homónima de Andrea Maturana; Borrachos como la memoria funciona en tres momentos dramáticos; “El zapatero que huyó de los Acreedores”, adaptación libre de una obra de Eduardo Galeano.

En la actualidad, el TEATRO VOCACIONAL tiene un repertorio de dos obras cuyo trabajo dramático ha sido elaborado por el equipo de trabajo: “Tan-gentes”, Drama Colectivo, Montaje de Cámara y Montaje itinerante “Las Palabras Andantes”, adaptación del cuento homónimo por Eduardo Galeano

En enero de 2004, el Teatro Vocacional de la Universidad de Santiago inició “LA RUTA DEL ARLEQUIN” con la obra “Las Palabras Andantes”, cuyo objetivo es llegar a los lugares más distantes del país y ofrecer actividades teatrales con objetivos sin fines de lucro. Esta ruta ha abarcado actuaciones en Ancud, Quemchi, Chacao, Curaco de Vélez, Achao, Chonchi, Quimchao y Molulco. Posteriormente, el grupo continuó sus actuaciones en diferentes municipios de la Región Metropolitana, Santiago, El Monte, Rinconada interior de Malambo, Rengo, Casablanca y Pichingal, en Molina.

Además, el Teatro Vocacional de la Universidad de Santiago ha actuado en la Sociedad Chilena de Escritores, Galería Espaciocal, en eventos de caridad, y en la Escuela de Psicología, la Facultad de Ingeniería, el Foro Griego, la Oficina Fiscal, entre otros, dentro de la Universidad de Santiago.

El futuro de Chile en el escenario mundial

Si quieres saber qué temas serán los más importantes para Chile mañana, mira su teatro hoy. Así lo aconsejó Carmen Romero, directora ejecutiva de la Firma Teatro a Mil, productora del festival internacional anual de teatro de Chile. En enero, el 23 ° festival Santiago a Mil atrajo a casi medio millón de espectadores a sus 300 presentaciones en 67 espectáculos, 32 de ellos visitando desde el extranjero, desde lugares tan cercanos como Argentina y Uruguay, hasta Polonia, Corea y China.

Hubo conciertos de música, piezas de baile, espectáculos de circo, espectáculos al aire libre, teatro comunitario y muchas obras: realistas; postmoderno clásico; y una serie especial de producciones de Shakespeare, parte de la conmemoración mundial del 400 aniversario de su muerte. Todos estos eventos se dispersaron entre la metrópolis extensa y congestionada de Santiago. Y muchos viajaron a otras ciudades de chile.

Mi tiempo en Santiago se superpuso con la “Platea”, la parte del festival de una semana de duración, cuando los presentadores, productores y directores de festivales de todo el mundo están invitados a ver trabajo, unirse a conversaciones con artistas y escuchar paneles de discusión sobre tendencias contemporáneas. Especialmente en el Cono Sur. Los programadores vinieron de América del Sur y Central, los Estados Unidos, Europa y Australia.

No menos que el ministro de Relaciones Exteriores de Chile, Heraldo Muñoz, dio la bienvenida a los participantes de Platea, insistiendo en el valor del arte para expresar el carácter distintivo de Chile y construir relaciones interculturales. Claro, su apariencia señaló, en parte, el papel del festival al afirmar el estatus de Santiago como una ciudad global, pero también parecía un sincero aprecio por los artistas. Imagínese a nuestro secretario de estado saludando a los visitantes en, digamos, el festival Under the Radar de Nueva York y exaltando la importancia del teatro para la identidad nacional y las relaciones internacionales.

En un panel llamado “Contexto histórico de las artes escénicas en América Latina”, el semiótico Héctor Ponce se hizo eco de la afirmación de Romero: “El teatro muestra los síntomas de lo que está sucediendo en nuestra sociedad. El festival se convierte en una pantalla para mostrar el futuro. Es un laboratorio para nuestros imaginarios sociales”.

Decidí concentrarme la mayor parte de mi tiempo en juegos caseros para probar la máxima de Romero. ¿Qué proyectaron la media docena de obras chilenas que vi? Con una excepción: una hermosa y contundente ceremonia al aire libre de danza, percusión, canto y declamación, realizada por y sobre el pueblo mapuche indígena, dirigida por la estrella de arte internacional Lemi Ponifasio, un neozelandés de origen samoano, los mejores miraron hacia adentro  y ampliamente así.

El teatro chileno contemporáneo es conocido por confrontar los conflictos políticos actuales, la memoria histórica y el impacto persistente de la dictadura de Pinochet (1973 a 1990) en los estilos alegóricos, no lineales, meta-teatrales o sin adornos. Después de todo, el teatro emergió audazmente en la década de 1980 como uno de los pocos lugares para expresar la disidencia abierta contra la dictadura. Ese legado de la crítica aún impregna la etapa chilena.

Las piezas en el festival de este año, incluso por dramaturgos cuyas obras anteriores involucraron personajes revolucionarios, escenarios históricos y formas meta-teatrales, tendieron más hacia el realismo narrativo sobre la gente actual. Sin embargo, hicieron más que simplemente explorar las relaciones personales y las psicologías de los personajes; mostraron cómo el peso de las fuerzas políticas moldea sus luchas y cómo la realidad socioeconómica se filtra en sus relaciones íntimas. Se enfocaron en la generación de artistas de teatro para considerar cómo los sistemas sociales, especialmente la clase y el género, operan en sus vidas.

Los chilenos para conocer – Andrés Pérez artista, actor, director y dramaturgo

Andrés Pérez (1951 – 2002) fue un artista, actor, bailarín, director, coreógrafo y dramaturgo. Su mayor legado, aparte de la obra más popular de Chile, “La Negra Ester”, fue la creación de un teatro que conmovió los corazones y la imaginación de una amplia audiencia, en Chile y en el extranjero. Trajo una nueva perspectiva al teatro en el país, mezclando teatro con acrobacias, drama con música y canciones. Él le ofreció a su público un escape de sus vidas diarias para ingresar a un mundo maravilloso, aunque sea por un par de horas.

Andrés Pérez, nacido en Punta Arenas, vivió en Santiago después de haber pasado su adolescencia en la ciudad norteña de Tocopilla. Estudió dos años en una escuela de seminario e ingeniería en la universidad, antes de estudiar teatro en la Universidad de Chile.

Sus orígenes teatrales se encuentran en el teatro de calle. En una entrevista afirmó que después de terminar la universidad actuó por necesidad. “Tuvimos que hacer teatro callejero porque no teníamos dinero para pagar un teatro. Con otros actores, nos acabábamos de graduar de la universidad, no nos llamaban para ver televisión, un lugar en el que uno cree que puede ganar dinero, así que Eso nos llevó a la calle “.

Como resultado de su trabajo en teatro callejero en Chile, en 1982 fue invitado a ir a Francia para trabajar y estudiar con Arianne Mnouchkine, fundadora del Théâtre du Soleil.

Allí, dijo que obtuvo una maestría en teatro callejero: “Aprendí el arte tradicional de la comedia. Se especializan en trabajar con máscaras, pantomima y técnicas circenses. El teatro está vivo y todos los días nos preguntamos ‘¿qué es el teatro?‘”

Pérez veía el teatro como un espejo de la sociedad. En una entrevista dijo una vez: “Los actores son traductores en un espacio y en ese momento de las palabras escritas por el autor. Los actores traducen usando sus cuerpos, su voz, su imaginación y su arte”.

A su regreso a Chile en 1988, él y sus ex compañeros de clase universitarios se reunieron y crearon el Gran Circo Teatro. Pérez dijo que, como su primera obra de teatro, sintió la necesidad de contar una historia de amor. Esta historia de amor debía ser “La Negra Ester”, una pieza clave en la historia del teatro chileno y la producción teatral chilena más exitosa a nivel nacional e internacional, gracias al explosivo espíritu festivo que generó entre los espectadores.

La obra es una adaptación de “Las Décimas de la Negra Ester” de Roberto Parra, hermano menor de Violeta y Nicanor Parra, que es una representación biográfica de su relación con una prostituta en el puerto chileno de San Antonio.

De “La Negra Ester”, Pérez dijo una vez que el montaje de la obra “se realizó con total alegría, sin expectativas … nos alegramos de haber estado reunidos entre amigos”.

Pérez escribió y actuó en muchas obras hasta su muerte en 2002. Por una obra, “La consagración de la Pobreza”, Pérez recaudó fondos durante siete meses vendiendo comida en las calles. La compañía de teatro también montó una adaptación de Popol Vuh, la historia de la creación de los mayas.

Adaptó “El Desquite”, una obra originalmente de Roberto Parra que se desarrolla en la década de 1920 en las afueras de Chillán, y describe la institución del patrocinio como un ejercicio de poder, especialmente hacia las mujeres. A nivel internacional, la obra se abrió en Alemania y luego fue adaptada para cine y televisión por el director chileno Andrés Wood.

La última obra de Pérez, “La Huida”, que escribió, dirigió y protagonizó, se inauguró en 2001. Se trata de la persecución a los homosexuales en Chile desde los años 1927 a 1932 durante el gobierno del general Carlos Ibáñez.

Andrés Pérez, trajo una nueva perspectiva al teatro en Chile. Él y Gran Circo Teatro no solo trabajaron con la tradición chilena, sino que también llevaron obras tradicionales, como Shakespeare, al público y siempre con un toque especial.

De su trabajo, Andrés Pérez dijo que le gustaba intervenir y transformar lugares. Le gustó la idea de que el público entrara a un lugar y dejara el que venía de atrás: “Que ingreses al cabaret de La Negra Ester, a un castillo de Shakespeare o al circo de la Consagración de la Pobreza. Tiene que ver con tu infancia, Cuando se crearon casas, una casa de árbol, una tienda … “

Si alguna vez ve un anuncio de una obra de teatro de Gran Circo, ya sea su último trabajo o “La Negra Ester”, no lo dude, compre entradas y prepárese para una escapada garantizada y una noche divertida.

Teatro Vivo

Teatro Vivo se dedica a origina teatro bilingüe de buena calidad asequible para todos. Teatro Vivo refleja el corazón y el alma del ambiente latino al abrir una ventana única para que todos compartan esta experiencia.

Nuestra misión:

Inspirado en el poder del teatro para educar y entretener, el Teatro Vivo produce y promueve el teatro latino que muestra la experiencia latina, accesible a todos los públicos, especialmente a los menos favorecidos por las artes.

Teatro Vivo:
Produce teatro relevante sobre temas sociales críticos.
• Produce nuevas obras de teatro latino.
hace que las actuaciones estén disponibles al ofrecer entradas gratuitas o reducidas para personas con barreras económicas y para audiencias no tradicionales.
apoya a los artistas teatrales latinos para desarrollar su oficio.

¿Qué es el Teatro Vivo?

La cultura, las artes y el patrimonio nos hacen quienes somos. El teatro Vivo da vida a estas cosas. Impulsado por el poder del teatro, el Teatro Vivo se centra en aumentar la conciencia cultural. Desde su apertura en 2000, el Teatro Vivo ha dado vida a más de 40 producciones completas, ha colaborado con otras organizaciones artísticas en el área de Austin y ha realizado varios talleres de teatro para ayudar a enseñar el poder del teatro a las comunidades desfavorecidas. Al ser una de las pocas organizaciones teatrales latinas bilingües en Texas, el Teatro Vivo le da a Austin otra razón para ser único.

Corazón y espíritu, son dos cosas que utiliza Teatro Vivo para reflejar su misión de producir teatro latino culturalmente relevante que aborde problemas sociales críticos. Como una comunidad latina apasionada, el Teatro Vivo es un nuevo tipo de teatro basado en la cultura, la historia y la mitología de la experiencia latina. Su trabajo comparte historias que unen las brechas culturales y conectan a las generaciones con un testimonio apasionado de la experiencia humana, mientras exploran temas históricos y dilemas modernos.

Teatro Vivo promueve la cultura latina y la muestra en el escenario. El Teatro Vivo no solo expresa su misión de una manera culturalmente atractiva, sino que también se les reconoce por hacerlo. El Teatro Vivo ha ganado nominaciones para sus producciones de los Premios B. Iden Payne de Austin Creative Alliance y los Premios Austin Critics Table. El Teatro Vivo también ha sido reconocido por la Asociación Nacional de Arte y Cultura Latina y recibió fondos nacionales para su temporada 2007-2008.

Teatro Vivo ofrece oportunidades para que los hablantes de inglés y español experimenten la cultura latina en vivo en el escenario. Cada año, Teatro Vivo produce al menos dos producciones bilingües de larga duración y presenta el Austin Latino New Play Festival, donde los dramaturgos pueden mostrar sus nuevas obras y desarrollar la tradición que el Teatro Vivo tiene para ofrecer. Entonces, únase como una comunidad latina, venga a experimentar un nuevo tipo de cultura, venga a dejar que el Teatro Vivo encienda el fuego dentro de su corazón y alimente la pasión en su alma. Formar parte de una nueva familia de teatro.

Guillermo Calderón

¿De qué se trata realmente esta obra? En la última obra de Guillermo Calderón, Kiss, un grupo de actores está trabajando arduamente para darse cuenta de eso mientras escenifican un melodrama de Siria que encontraron en Internet. En la primera de las cuatro escenas de Kiss (que se llevará a cabo del 10 de octubre al 6 de noviembre en la Woolly Mammoth Theatre Company en Washington, DC), los actores interpretan la obra siria. En la segunda escena, hablan a través de Skype con la mujer que han identificado como su dramaturgo. Desde el Líbano, aparece en una pantalla, disfrazada con una peluca y gafas de sol. Ella hace todo lo posible para explicar a los estadounidenses ansiosos, pero en gran medida despistados lo que significa la aparente telenovela: “La obra no se trata de los personajes en sí, sino de la audiencia que se reúne para verla y sentir durante unos minutos otra cosa, algo Eso no es guerra”, les dice.

Calderón no llevaba tonos y una mata de cabello rubio cuando conversamos por Skype en julio, y él no está trabajando en medio de una guerra violenta y caliente, pero se parecía mucho a esa mujer con tijereta que inventó cuando describió la suya. trabajo.

“Nunca pienso en el carácter cuando escribo”, dijo, hablando desde su ciudad natal de Santiago, Chile. “Estoy buscando una audiencia política muy íntima, personas un poco desprovistas como yo, tratando de encontrar, de nuevo, un sentido de comunidad”.

Calderón sin duda ha encontrado una audiencia, sea o no el izquierdista que está buscando. Calderón, reconocido durante la última década como el dramaturgo / director contemporáneo más importante de Chile, Calderón ha ganado numerosos premios en América Latina y sus obras de teatro se han convertido en elementos básicos en el circuito internacional de festivales. Han encontrado seguidores entusiastas en los Estados Unidos en lugares experimentales como el Festival Under the Radar de la Ciudad de Nueva York, el REDCAT de Los Ángeles y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Actualmente, Calderón está a punto de convertirse en un nombre más prominente en las listas de la temporada en los EE. UU.

Para un artista impulsado por ideas, incluso por ideología, eso puede parecer sorprendente. Pero hay una frescura y fuerza en el trabajo de Calderón, que combina la urgencia de la política con la alegría lúdica del teatro. Es divertido observar los resultados, incluso cuando insisten en que las audiencias se enfrentan a problemas profundamente preocupantes.

Hasta ahora, las obras de Calderón han asumido de manera inventiva la ruptura y las continuas repercusiones de la dictadura de Chile (1973-90). Dados, mordazmente graciosos y con tanto misterio como malicia, se preguntan, a menudo oblicuamente: ¿Cómo debe una nación recordar un pasado traumático y cómo debe corregir el trauma en curso?

Últimamente, él ha extendido su lente más allá de su tierra natal. Dividiendo su vida entre Nueva York, San Francisco y Santiago, el modesto y suave Calderón admite que se ha convertido en un artista internacional. Además de responder a la inminente guerra de Siria, Kiss es también la primera obra que ha escrito en inglés.

Reconocida artista de Chile Manuela infante

Manuela Infante, un referente en Chile en la interpretación

El Laboratorio de Escritores de TheatreWorks invita a Singapur a la dramaturgo y directora alabada, Manuela Infante, a realizar un taller de interpretación.

Ya sea que tenga una idea en preparación o un trabajo en progreso, ¡este taller interdisciplinario lo llevará al próximo paso! Este taller está abierto a escritores, directores, artistas y diseñadores interesados en desarrollar su trabajo en colaboración.

Infante se centrará en diseñar y escribir con materiales de dibujo de lo que se crea en la sala de ensayo con los artistas. Al aplicar su metodología a su proceso creativo, explorará las teorías del teatro no antropocéntrico, en las que otras fuerzas como la luz, el sonido, las palabras y otras entidades no humanas encuentran tiempo y espacio para participar en la forja del trabajo.

Los participantes escribirán en el lugar, en el espacio de ensayo, y después del ensayo, rompiendo el enfoque convencional de escribir donde “las palabras son lo primero”.

En este taller, el cuerpo, el espacio y la improvisación están a la vanguardia, eliminando así al autor humano del centro de la creación.

Infante fue vista por última vez en Singapur presentando, Vegetative State como parte del Festival Internacional de las Artes de Singapur en 2017. Considera todas las obras como ensayos en un gran corpus de corrientes de pensamientos muy amplios que se derivan de distintos escritos teóricos, de ciencias y estudios culturales, caracterizándola El trabajo como una especie de ‘filosofía irresponsable’.

Infante es ampliamente celebrado por la reedición feminista de grandes figuras históricas, combinando humor slapstick y prosa.

Sus obras han realizado giras por todo el mundo y han sido ampliamente aplaudidas por la crítica y el público. Desde 2001 hasta 2016, formó parte del Teatro de Chile, uno de los grupos de teatro juvenil más reconocidos de Chile. El repertorio de obras de Infante incluye Fin (2008), coproducido y estrenado en el festival de Módena, Italia, ¿y What’s He Building in There? (2011), creado en residencia en The Watermill Center, y estrenado y mostrado en varios espacios en Nueva York. En 2012, dirigió “en la playa”, curada por Robert Wilson y estrenada en el Baryshnikov Arts Center de Nueva York; además de No Alimentar a los Humanos, se estrenó en Hebbel am Uffer en Berlín, Alemania. Infante también fue seleccionado como Director Artístico de la XVI Selección de Dramaturgos 2014, organizado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

Teatro en Chile

Según la mitología local, la primera compañía de teatro chilena fue creada por Bernardo O’Higgins, el Padre de la Nación, que ofreció la libertad a un grupo de soldados españoles a cambio de sus servicios de actuación. Aunque esta historia se remonta a principios del siglo XIX, el teatro tardó casi otros cien años en convertirse en un entretenimiento exitoso en el país.

En las primeras décadas del siglo XX, había varias compañías de repertorio (con un rendimiento constante y giras a nivel nacional e internacional). Este paisaje cultural se enriqueció con el trabajo de artistas europeos que llegaron a América del Sur huyendo de la Segunda Guerra Mundial. La influencia de la actriz y directora catalana Margarita Xirgu, así como del actor y director francés Louis Jouvet, dio origen a una nueva tradición local de teatro de arte, que fomentó la creación de teatros profesionales en tres universidades existentes: Universidad de Chile (fundada 1842), Pontificia Universidad Católica de Chile (1888) y Universidad de Concepción (1919). Desde su fundación, el Teatro Experimental (1941),  y el Teatro de Ensayo (1943)  en Santiago, y el Teatro de la Universidad de Concepción (1945) han actuado colectivamente como un teatro nacional no oficial. Produjeron obras clásicas (Molière, Shakespeare, Calderón de la Barca, Chekhov) y obras contemporáneas (Tennessee Williams, Bertolt Brecht, entre otras), y emprendieron la tarea de ampliar las audiencias teatrales.

En los años siguientes, las tres universidades crearon escuelas de teatro para proporcionar a los actores profesionales que necesitaban para mantener sus proyectos culturales en funcionamiento durante las próximas décadas.  El golpe militar de 1973 y sus consecuencias casi aniquilaron la vida cultural previamente floreciente; muchos artistas fueron asesinados, torturados o amenazados, mientras que otros se fueron al exilio. Dado que cualquier reunión de más de diez personas estaba prohibida, el teatro enfrentaba una paradoja.

Por un lado, aunque no se instituyó la censura formal, todas las actividades artísticas se sometieron a un escrutinio permanente. Por otro lado, el teatro se convirtió en el lugar privilegiado para que los opositores de la dictadura civil-militar se reúnan y recuperen el sentido de colectividad. Desde los primeros días del régimen de Pinochet, las producciones teatrales desempeñaron un papel importante al denunciar las violaciones de los derechos humanos; un compromiso sociopolítico que existió en Chile mucho antes de su fuerte desarrollo a principios de la década de 1960 y que representa un rasgo distintivo del teatro chileno hasta hoy.