El drama bélico del dramaturgo chileno Guillermo Calderón.

LOS ÁNGELES: los aficionados al cine el año pasado tuvieron la oportunidad de ver la fantástica película biográfica de Pablo Larraín, Neruda, sobre el poeta comunista y galardonado con el Premio Nobel Pablo Neruda. Presentó un guión brillantemente imaginativo de Guillermo Calderón, aclamado como «el dramaturgo y director de teatro más aclamado de Chile en las últimas dos décadas» por Los Angeles Times.

Cuando escuché que Kiss, una de sus obras, estaba recibiendo su estreno en la costa oeste, me apresuré a reservar boletos. Kiss tuvo su estreno europeo en Düsseldorf en 2014. El estreno en Norteamérica fue presentado por Woolly Mammoth en Washington, DC, en 2016, y además de L.A. se está produciendo en Canadian Stage Company en 2017.

La premisa de apertura de la obra es que cuatro amigos actores se reúnen en Damasco, Siria, para ver su telenovela favorita: Musalsalaat en árabe. Es útil saber que a medida que aumentó el acceso a la televisión por satélite en todo el mundo árabe, decenas de millones de personas desde Marruecos hasta el Golfo Pérsico sintonizaron lo que en poco tiempo se convirtió en mini-dramas de una naturaleza cada vez más picante, explorando temas controvertidos como el adulterio, Abuso doméstico y terrorismo.

Pero pronto surgen preguntas. ¿Estamos realmente en Damasco? Los actores no se visten ni hablan como sirios. ¿Están en tiempo real o están representando un episodio favorito del programa? ¿Dónde está esa cena que se suponía que iban a disfrutar juntos? ¿Es algo realmente lo que parece ser?

«Kiss es una obra teatral única«, dice el director Bart DeLorenzo de este trabajo de 80 minutos sin interrupciones. «Es un entretenimiento emocionante tan retorcido y sorprendente como el mejor melodrama, pero también un juego político sorprendente, y, sobre todo, un fascinante examen de la naturaleza misma del teatro político».

War and upheaval ha informado profundamente el trabajo premiado de Calderón, ahora con sede en Nueva York. Nacido en 1971 en el apogeo de la alianza de unidad popular de izquierda de Salvador Allende, llegó a la mayoría de edad bajo el brutal régimen dictatorial de Augusto Pinochet (el tío de Calderón fue asesinado por la policía de seguridad de Pinochet). En los años de democracia tentativa que siguieron a Pinochet, Calderón y su círculo teatral lucharon por crear un teatro honesto que dijera lo que querían decir, y descubrir qué era eso. A estas alturas, Calderón es autor de una docena de obras de teatro de carácter provocativo y provocador. Se ha convertido en uno de los dramaturgos más producidos de América Latina.

Como cualquier ciudadano del mundo que contempla la terrible situación en Siria, los miembros de la audiencia de Kiss se preguntarán qué es real y qué es ficción. ¿Qué fuentes se pueden creer? ¿De qué lado vale la pena apoyar? ¿Es este juego menos sobre los personajes, y no sobre los actores, y más sobre el público y qué presuposiciones llevamos cuando entramos en el teatro?

¿Podemos incluso confiar en las palabras que escuchamos? Una profesión abierta de amor puede ser escuchada más raramente en Estados Unidos que en una telenovela en idioma árabe. ¿Las palabras significan lo mismo? ¿Beso? ¿Sí? ¿Tos? ¿Un corazón roto? ¿Significan lo mismo en tiempos de guerra que en tiempos de paz? ¿O la urgencia y el peligro y la muerte cambian su valencia? ¿Quién escribió ese episodio de telenovela de todos modos?

El ‘2666’ de Roberto Bolano es una noche de teatro larga y complicada

La abrumadora novela modernista de Roberto Bolano «2666» se publicó en 2004, un año después de la muerte del autor nacido en Chile, resultado de una insuficiencia hepática, tal vez de un hábito de heroína en una etapa anterior de su vida, aunque existe un debate sobre ese tema.

Presumiblemente, «2666» no estaba completamente terminado, aunque el trabajo abarca 898 páginas impresas (en comparación, «Ulysses» es de 700 a 800 páginas, según su edición). «2666» se escribió en español y en España, donde Bolano vivió más tarde en su vida, después de un período en México, donde fue un destacado poeta, socialista y surrealista, y aventuras variadas en su Chile natal, donde Augusto Pinochet podría haber tenido Lo mató (esto también es un punto de discusión biográfico).

Pero sí tenemos la ambiciosamente ambiciosa adaptación teatral de «2666» de Robert Falls y Seth Bockley, que se ejecuta de forma asombrosa durante 5 horas y media en el Teatro Owen del Teatro Goodman, haciendo de este uno de los espectáculos más largos jamás producidos en este teatro. ciudad del amor. En comparación, «The Iceman Cometh» de Falls fue unos 45 minutos más corto.

Los «Ángeles en América» de Tony Kushner eran más largos, supongo, pero eran dos jugadas. El «2666» de Goodman ni siquiera viene con una pausa para la comida: solo tres intermedios cortos entre una cantidad incomparable de drama de todas las tendencias. Después de un día difícil en la oficina … bueno, esto no es algo que uno consume sabiamente después de un día difícil en la oficina. Mejor ir a correr primero.

La producción fue financiada por la primera subvención de Roy Cockrum, el ex monje que estudió teatro en la Universidad Northwestern y ganó $ 259 millones con un boleto de Powerball que compró en Tennessee.

Un grupo de actores de Chicago enormemente trabajador y comprometido cuenta esta historia colosal, que incluye a Charín Álvarez, Janet Ulrich Brooks, Yadira Correa, Sandra Delgado, Jonathan Weir (que tiene cierta autoridad moral) y Mark L. Montgomery (cuyo papel es En la cola del cuento). El espectáculo está, sin duda, en su mejor momento en la primera y la última parte, donde la obra teatral es tan rica como el paisaje emocional.

¿Deberías ver «2666»? Claro, si eres un aficionado del teatro de Chicago. Es un elemento importante en la obra de las cataratas en constante desarrollo (una vez más, uno de los grandes placeres de la vida cultural en la ciudad), pero no su pie más seguro o completo. La pelea de premios está en movimiento perpetuo.

Pero entonces, sospecho que él sabía que sería así todo el tiempo.

Carmen Aguirre y sus mejores obras

Seis años después de huir del golpe militar de 1973 en Chile, Carmen Aguirre, de once años, y su familia regresan para unirse a la resistencia clandestina. A los dieciocho años, Carmen se compromete con el movimiento, dirigiendo una casa segura en la frontera entre Chile y Argentina. Al perder su primer matrimonio por las presiones de la vida revolucionaria, y vivir con el miedo siempre presente de la captura y la tortura, Carmen se da cuenta de los sacrificios que ella, quien ama incondicionalmente la causa, debe hacer.

Quince años después, en Los Ángeles, Carmen, una vez más, da todo de sí misma, por amor de un tipo diferente. Ella comienza una relación sexualmente apasionada pero emocionalmente imposible con una hermosa estrella de la televisión chicana a quien ella persigue tan implacablemente como ella misma fue cazada.

Al enfatizar las tensiones entre estas dos modalidades de amor, el monólogo sexy, veloz y oscuramente cómico de Aguirre finalmente pregunta: Entre los extremos del amor por la causa política y el amor por el otro, ¿cómo y dónde se crea un espacio para el amor propio?

El gatillo

Basada en su propia experiencia como víctima de violación, la obra de Carmen Aguirre, The Trigger, es un testimonio de la resistencia y el triunfo del espíritu humano y su capacidad para trascender incluso las circunstancias más horribles y terroríficas.

«The Trigger es un nocaut … inteligente, poderoso, divertido, horrible, teatralmente impresionante y completamente libre de victimología».

Chile Con Carne

Es un oscuro espectáculo cómico sobre el tema del exilio, el choque cultural y el racismo interiorizado desde el punto de vista de un refugiado chileno de ocho años a mediados de la década de 1970 en Vancouver.

«El ingenioso monólogo semi autobiográfico de Carmen Aguirre sobre cómo crecer como refugiado del régimen chileno de Pinochet, captura vívidamente los sentimientos de un niño dividido entre dos mundos«. – El globo y el correo.

El Hotel Refugiado

Ubicados en un hotel en decadencia en 1974, solo unos meses después del inicio del infame régimen de Pinochet, ocho refugiados chilenos luchan, a veces sin esperanzas, a veces profundamente, para decidir si huir de su país significa que han abandonado a sus amigos y responsabilidades o no

Los detalles autobiográficos ficticios de esta obra ganadora del Premio Jessie son las verdades universales que las víctimas y los sobrevivientes de la opresión política siguen experimentando en todas partes: el terror de la persecución, el arresto y la tortura; la euforia agotada de escapar; el trauma de aprender a vivir de nuevo con las pérdidas, traiciones y agonías del pasado; la culpa irracional del sobreviviente, incluso la tragedia de sobrevivir a las pesadillas del pasado solo para que regresen a desafiar cualquier esperanza del futuro.

«Llena de asombro y terror … la batalla entre el coraje y la cobardía cobra mucha importancia aquí; el deber de uno mismo o de la gente es un compromiso interno constante … chistoso … desgarrador».

B ‘Comedia dramática sobre la protesta violenta en Chile’

B es para Bueno. También es para bomba. En esta nueva y grotesca y divertida obra del escritor chileno Guillermo Calderón, la activista incipiente Marcela cumple 19 años y está organizando una fiesta. Los únicos invitados son dos revolucionarios compatriotas; La bomba está envuelta para regalo.

Pero la palabra B nunca debe ser pronunciada en voz alta, así que en lugar de «bomba», estos anarquistas nerviosos dicen «queso». ¿O es la palabra de código correcta «vaca»? Nadie está seguro y, con un vecino demasiado amigable apareciendo con pastel y velas, los temperamentos provocan que el pelo se encienda en una casa segura que difícilmente podría ser más peligrosa.

B, dirigida por Sam Pritchard, es una comedia con dientes serrados, escupiendo fragmentos de metralla de horror y absurdo. Se enfrenta a una historia de protesta violenta en Chile que se remonta a la resistencia al régimen de Pinochet, que a su vez perpetró actos de terrorismo patrocinado por el estado, y persiste con los encapuchados de hoy, o «los encapuchados», un grupo dispar cuyas actividades van desde el graffiti. a los bombardeos mortales.

Calderón examina el explosivo choque de valores cuando un activista de más edad, José Miguel (Paul Kaye), un asesino experimentado en la teoría marxista, se une a Marcela (Aimee-Ffion Edwards) y Alejandra (Danusia Samal), que prefieren ruidos, dramas, Pero tácticas sin sangre. Lo que comparten es una ira desenfocada, y la esperanza de que esta acción pueda dar un propósito a sus vidas.
En la traducción de William Gregory, el diálogo es conciso, disperso, interrumpido por monólogos que son esencialmente gruñidos prolongados de rabia y aullidos de angustia. Estos terroristas se distancian furiosamente de los zombies de al-Qaeda, mientras luchan por definir sus objetivos. Sin embargo, un panorama más amplio surge sigilosamente de la vigilancia política, vidas jóvenes destruidas o desperdiciadas, y voces minoritarias sofocadas.

La escritura tiene una pizca de Pinter, los Cuatro Leones de Chris Morris e incluso los Perros Reservoir de Tarantino con su amenaza, su mezcla de lo cómico, espeluznante y grotesco, y sus confusos y confusos engaños.

En el alarmante y endeble juego de chapa de madera y andamios de Chloe Lamford, los activistas lucen ridículos en sus remeras caseras anudadas, en particular en el retorcido Miguel de Kaye, quien equipa las suyas con gafas oscuras impenetrables. Y suena tonto cuando obliga a una Marcela aprensiva a cagar en la lata que contiene la «vaca». Pero su explicación (el excremento asegurará que las heridas de la bomba de clavos se infecten) es escalofriante. Incluso la vecina aparentemente benevolente, Carmen (Sarah Niles, con ojos de gimlet), tiene una arrogancia intrusiva e intrusiva que hace que la piel le pique.

Por todo eso, ni en el juego ni en la flota de Pritchard, la producción de Quicksilver logra el máximo impacto. Calderón nunca desenmascara sus personajes el tiempo suficiente para que nos conectemos completamente con ellos, y un contexto más histórico nos prestaría un mayor peso. Aún así, es una pieza sorprendente, elegante y de suspenso, incluso si te deja más aturdido y nervioso que iluminado.

Grupo de teatro vocacional Universidad de Santiago.

El Grupo de teatro vocacional de la Universidad de Santiago nació en 1984, debido a la necesidad de dar una mayor proyección al trabajo realizado por los estudiantes de los talleres de Teatro Integral niveles I, II y III, impartidos por el Departamento de Actividades Culturales de Nuestra Universidad (hoy la Dirección de Extensión y Actividades Culturales) a cargo de Brana Vantman, docente de teatro y director.

Su primer montaje fue El Tony Chico, de Luis Alberto Heiremans, presentado en 1984.

El elenco fundador del Teatro Vocacional de la Universidad de Santiago estuvo formado por 18 estudiantes de diferentes carreras, como la Licenciatura en Bellas Artes, Ingeniería, la Licenciatura en español y la Licenciatura en inglés.

Otros montajes realizados por el grupo fueron: «Se ve la suerte gratis» obra original de Ana Osorio, miembro del grupo; “Mascaradas”, creación colectiva del Teatro Vocacional; “Cortázar Nuestra Mirada”, colección creativa del Teatro Vocacional; “Transparencias” creación colectiva del Teatro Vocacional inspirado en “Oda al Aire”, de Pablo Neruda; «Rte. Laura del Mar”, trabajo de investigación que proporciona un resultado dramatúrgico.

Hasta 1991, las actuaciones y giras tuvieron lugar en diferentes campus universitarios. Asimismo, podemos destacar la creación del espacio teatral El Zócalo, donde se dieron varias temporadas.

En el segundo semestre del año 2000, y siempre con la dirección de Brana Vantman, se retomó el proyecto TEATRO VOCACIONAL de la Universidad de Santiago, formado por estudiantes de nuestra Universidad que han terminado los talleres de Teatro I y II.
El grupo de teatro vocacional trabaja sistemáticamente, y sus miembros están en permanente formación y mejora.

Entre los montajes que ha realizado el grupo vocacional, tenemos: “El daño”, adaptación gratuita de la obra homónima de Andrea Maturana; Borrachos como la memoria funciona en tres momentos dramáticos; «El zapatero que huyó de los Acreedores», adaptación libre de una obra de Eduardo Galeano.

En la actualidad, el TEATRO VOCACIONAL tiene un repertorio de dos obras cuyo trabajo dramático ha sido elaborado por el equipo de trabajo: “Tan-gentes”, Drama Colectivo, Montaje de Cámara y Montaje itinerante “Las Palabras Andantes”, adaptación del cuento homónimo por Eduardo Galeano

En enero de 2004, el Teatro Vocacional de la Universidad de Santiago inició «LA RUTA DEL ARLEQUIN» con la obra «Las Palabras Andantes», cuyo objetivo es llegar a los lugares más distantes del país y ofrecer actividades teatrales con objetivos sin fines de lucro. Esta ruta ha abarcado actuaciones en Ancud, Quemchi, Chacao, Curaco de Vélez, Achao, Chonchi, Quimchao y Molulco. Posteriormente, el grupo continuó sus actuaciones en diferentes municipios de la Región Metropolitana, Santiago, El Monte, Rinconada interior de Malambo, Rengo, Casablanca y Pichingal, en Molina.

Además, el Teatro Vocacional de la Universidad de Santiago ha actuado en la Sociedad Chilena de Escritores, Galería Espaciocal, en eventos de caridad, y en la Escuela de Psicología, la Facultad de Ingeniería, el Foro Griego, la Oficina Fiscal, entre otros, dentro de la Universidad de Santiago.

Revisión De Chile, ‘Escuela’, un drama sobre educación

Una pizarra no es lo mejor para contemplar al entrar en un teatro. Tampoco es un proyector de diapositivas. Ambos están a la vista, por desgracia, en la «Escuela», un drama aburrido y didáctico escrito y dirigido por el destacado dramaturgo chileno Guillermo Calderón.

El título se traduce como «Escuela», y de hecho estamos en una clase de clase, pero en la que los sujetos no son gramática y trigonometría, sino cómo disparar una pistola y cómo construir y detonar una bomba correctamente.

Los cinco «estudiantes» en esta clase informal de guerra de guerrillas y sus fundamentos ideológicos son revolucionarios nacientes que están ardiendo para derrocar a la despiadada dictadura militar de Augusto Pinochet, el hombre fuerte que derrocó al gobierno socialista de Salvador Allende y gobernó a Chile desde 1973 hasta 1990. (El respaldo encubierto de Pinochet en los Estados Unidos es uno de los episodios más notoriamente innobles en los asuntos internacionales de nuestro país.)

Los actores se mueven entre ser estudiantes y ser instructores, aunque esto es difícil de discernir mientras se mira la obra, ya que no cambian los disfraces. Además, todas sus caras están envueltas en bufandas, y algunas llevan gafas de sol; esto se debe a que, si cualquiera de ellos es capturado y torturado por las autoridades, no podrán identificar a sus colaboradores.

Después del canto de algunas canciones revolucionarias, el elemento más atractivo de la producción, comienzan las lecciones. Zed comienza la instrucción elemental en la guerra de armas. «Esta bala va dentro de un clip», dice. «Cuando voy a disparar, aprieto el gatillo y la bala entra en el cañón. Y cuando presiono un poco más fuerte, el martillo sube y baja rápidamente «. (La obra se realiza en español, con supertítulos en inglés).

Tamara fríamente lleva a los estudiantes a través de la construcción de una bomba improvisada y la mejor manera de desplegarla haciendo explotar las líneas eléctricas que proporcionan energía al país. (A veces, el juego se sentía desagradable como una dramatización de selecciones del espantoso «El libro de cocina anarquista».) Un momento raro y extraño llegó cuando un estudiante serio, llamado Ernesto, en realidad, preguntó cuánto había que correr después de encender el fusible. La respuesta de Tamara: «Hasta donde puedas. Es una bomba «.

No toda la instrucción tiene que ver con la mecánica de la violencia. María proporciona indicaciones sobre los conceptos básicos del capitalismo y cómo explota y oprime a los trabajadores. Marcela es la experta en “guerra psicológica”.

Los actores, Luis Cerda, Camila González, Andrea Giadach, Francisca Lewin y Carlos Ugarte, son excelentes. Pero en parte porque nunca vemos sus caras, y en parte porque su diálogo es muy pedagógico, ni un personaje emerge como un individuo distinto o interesante. El resultado es un drama que carece de cualquier tipo de núcleo emocional.
O una dramática, para el caso; un poco de suspenso se avivó, al menos en mí, por la sospecha de que uno de los estudiantes o instructores sería revelado como un infiltrado del enemigo. Pero esperar para encontrar la respuesta a esta pregunta no fue suficiente para mantener mi atención por mucho tiempo. Los estudiantes de la revolución chilena que anhelan saber cómo era estar dentro del movimiento pueden encontrar a la «Escuela» atractiva.

El futuro de Chile en el escenario mundial

Si quieres saber qué temas serán los más importantes para Chile mañana, mira su teatro hoy. Así lo aconsejó Carmen Romero, directora ejecutiva de la Firma Teatro a Mil, productora del festival internacional anual de teatro de Chile. En enero, el 23 ° festival Santiago a Mil atrajo a casi medio millón de espectadores a sus 300 presentaciones en 67 espectáculos, 32 de ellos visitando desde el extranjero, desde lugares tan cercanos como Argentina y Uruguay, hasta Polonia, Corea y China.

Hubo conciertos de música, piezas de baile, espectáculos de circo, espectáculos al aire libre, teatro comunitario y muchas obras: realistas; postmoderno clásico; y una serie especial de producciones de Shakespeare, parte de la conmemoración mundial del 400 aniversario de su muerte. Todos estos eventos se dispersaron entre la metrópolis extensa y congestionada de Santiago. Y muchos viajaron a otras ciudades de chile.

Mi tiempo en Santiago se superpuso con la «Platea», la parte del festival de una semana de duración, cuando los presentadores, productores y directores de festivales de todo el mundo están invitados a ver trabajo, unirse a conversaciones con artistas y escuchar paneles de discusión sobre tendencias contemporáneas. Especialmente en el Cono Sur. Los programadores vinieron de América del Sur y Central, los Estados Unidos, Europa y Australia.

No menos que el ministro de Relaciones Exteriores de Chile, Heraldo Muñoz, dio la bienvenida a los participantes de Platea, insistiendo en el valor del arte para expresar el carácter distintivo de Chile y construir relaciones interculturales. Claro, su apariencia señaló, en parte, el papel del festival al afirmar el estatus de Santiago como una ciudad global, pero también parecía un sincero aprecio por los artistas. Imagínese a nuestro secretario de estado saludando a los visitantes en, digamos, el festival Under the Radar de Nueva York y exaltando la importancia del teatro para la identidad nacional y las relaciones internacionales.

En un panel llamado “Contexto histórico de las artes escénicas en América Latina”, el semiótico Héctor Ponce se hizo eco de la afirmación de Romero: “El teatro muestra los síntomas de lo que está sucediendo en nuestra sociedad. El festival se convierte en una pantalla para mostrar el futuro. Es un laboratorio para nuestros imaginarios sociales”.

Decidí concentrarme la mayor parte de mi tiempo en juegos caseros para probar la máxima de Romero. ¿Qué proyectaron la media docena de obras chilenas que vi? Con una excepción: una hermosa y contundente ceremonia al aire libre de danza, percusión, canto y declamación, realizada por y sobre el pueblo mapuche indígena, dirigida por la estrella de arte internacional Lemi Ponifasio, un neozelandés de origen samoano, los mejores miraron hacia adentro  y ampliamente así.

El teatro chileno contemporáneo es conocido por confrontar los conflictos políticos actuales, la memoria histórica y el impacto persistente de la dictadura de Pinochet (1973 a 1990) en los estilos alegóricos, no lineales, meta-teatrales o sin adornos. Después de todo, el teatro emergió audazmente en la década de 1980 como uno de los pocos lugares para expresar la disidencia abierta contra la dictadura. Ese legado de la crítica aún impregna la etapa chilena.

Las piezas en el festival de este año, incluso por dramaturgos cuyas obras anteriores involucraron personajes revolucionarios, escenarios históricos y formas meta-teatrales, tendieron más hacia el realismo narrativo sobre la gente actual. Sin embargo, hicieron más que simplemente explorar las relaciones personales y las psicologías de los personajes; mostraron cómo el peso de las fuerzas políticas moldea sus luchas y cómo la realidad socioeconómica se filtra en sus relaciones íntimas. Se enfocaron en la generación de artistas de teatro para considerar cómo los sistemas sociales, especialmente la clase y el género, operan en sus vidas.

Teatro chileno entrelazado con la nacionalidad.

El tono bullicioso, innovador y decididamente tópico de la obra de Teatro Sur es representativo de la vitalidad actual del teatro chileno. Colonizado a mediados del siglo XVI por España, que venció a los incas en el norte y centro de Chile, pero no logró someter a los mapuches en el centro-sur de Chile, el país se independizó de España en 1818, casi al mismo tiempo que el primer teatro abrió sus puertas. en Santiago. La expresión teatral era una parte muy importante de esa nación emergente, y el teatro chileno se ha relacionado con la política y la historia chilenas desde entonces.

En el siglo XIX, las artes teatrales chilenas se inspiraron en las de Europa, especialmente en España y Francia. Sin embargo, a partir del siglo XX, Chile comenzó a desarrollar su propia dramaturgia y dramaturgos únicos, y los directores y actores pudieron ganarse la vida en el teatro como profesionales. En la primera mitad del siglo XX, la vanguardia fue el llamado «Teatro Obrero» o el Teatro de los Trabajadores, un movimiento izquierdista de la clase trabajadora.

En la década de 1950 y gracias al dinamismo de los grupos de teatro universitario, el teatro experimental cobró impulso. Dramaturgos como Luis Alberto Heiremans, Egon Wolff y Fernando Debesa incorporaron la crítica social, la recuperación de la historia y el folclore en sus obras, junto con la búsqueda personal y la trascendencia. En la década de 1960, al igual que con el teatro en los Estados Unidos y Europa, la creación colectiva radical se convirtió en el modo dominante, mientras que Chile eligió al marxista Salvador Allende como presidente.

La brutal dictadura militar del general Augusto Pinochet que derrocó a Allende en 1973 también reprimió el teatro. Los teatros cerraron, el número de obras interpretadas disminuyó y el público también se encogió. Artistas teatrales y eruditos fueron encarcelados, torturados e incluso asesinados, o se fueron al exilio. Las producciones se vieron obstaculizadas por la censura, los toques de queda y las restricciones de espacio, junto con el desmantelamiento de los canales de distribución y los sistemas de apoyo financiados con fondos públicos, e incluso el cierre de teatros y escuelas de teatro, según un artículo publicado en 2015 en Theatre Research International.

Sin embargo, a principios de la década de 1980, la dictadura enfrentó protestas masivas y tuvo que aflojar sus políticas. Como resultado, un resurgimiento cultural comenzó a materializarse en espacios marginados, casi clandestinos. A la caída de la dictadura en 1990, el teatro había resurgido, y una nueva generación de artistas estaba combinando nuevo vocabulario y arte escénico, cine e incluso multimedia. Hoy en día, solo en Santiago, se realizan alrededor de 200 obras al año, en torno a 50 teatros grandes y pequeños que varían en tamaño desde 60 a 1,200 asientos. Los teatros son administrados de forma independiente, Chile no tiene teatros nacionales o públicos.

Nueva ola del teatro chileno

¿El teatro joven pertenece a los jóvenes? Pía Gutiérrez discute el estado actual del teatro en Santiago y, en esta serie, destaca a cuatro jóvenes artistas y compañías que están teniendo un gran impacto en Chile hoy. Este editorial es parte de la serie, Spotlight on Chile, que presenta artículos, entrevistas y perfiles de creadores de teatro y compañías que crean trabajos en Chile hoy.

En colaboración con Nicolás Román.

Hablar de teatro nuevo siempre es peligroso. En primer lugar, porque la vitalidad de las nuevas producciones no está vinculada a los creadores de teatro más jóvenes, y por lo tanto, lo que puede esperar es ambiguo. ¿El teatro joven pertenece a los jóvenes en el teatro chileno? En segundo lugar, porque las nuevas producciones son una promesa, y apostamos a que las cosas que nos iluminan hoy seguirán siendo fuertes con el tiempo, pero las estrellas realmente brillantes pueden ser solo estrellas viejas a punto de morir. Me gustaría hablar ahora sobre el trabajo de cuatro creadores de teatro en sus 30 años, que creo que tienen propuestas tan renovadas e impresionantes que pueden considerarse una nueva ola del teatro chileno.

Aunque hay muchos nombres dando vueltas en mi cabeza (y permítame decirlo porque estoy siendo injusto con todos los que no nombraré), quiero dedicar este texto a cuatro artistas / compañías que me hacen Inquieto como miembro de la audiencia y ciudadano chileno. Esos cuatro ejemplos me hacen pensar en nuevas experiencias teatrales que se proyectan con amargura en nuestro contexto. Me refiero al trabajo de la directora de Paula González, la empresa Niño Proletario, Los Contadores Auditores y la empresa, La Resentida.

Pienso que la emergencia teatral que nos está inundando, a veces de una manera reflexiva e ingeniosa, y otras veces, como parte de la reproducción de discursos modelo, puede deberse a varias razones. Una de ellas es que nunca antes en nuestro país hemos tenido las condiciones materiales para producir teatro en esta magnitud. Estas condiciones son: la multiplicidad de escuelas para los actores escénicos; la solidificación de nuevos espacios y lugares de cultura, al menos en la capital; Las medidas políticas para financiar el teatro a través del fondo FONDART (la financiación de las artes). Este fondo, a pesar de tener un aspecto ambiguo, problemático y con pérdidas, especialmente cuando hablamos de proyectos creativos a largo plazo, mantiene un flujo de producciones anuales más grande que cualquier otra medida tomada en otras áreas.

Además de esto, el teatro chileno tiene una nueva relevancia en el ámbito internacional, ya que está siendo promovido en gran medida por la productora FITAM. FITAM organiza el festival internacional “Santiago a Mil”. Esta nueva relevancia del teatro chileno en el extranjero también puede deberse a la circulación colaborativa que varios artistas mantienen con empresas de otros países. Todos estos factores están dando cierta estabilidad a la producción teatral en Chile hoy en día que fue difícil de encontrar en otros momentos. Este asunto, sin duda, tiene sus pros y sus contras.

En esta situación, ir al teatro chileno en Santiago, que es la ciudad en la que vivo y al teatro, puede convertirse en una tarea compleja de cumplir. Primero, porque la información sobre los espectáculos realizados en lugares no oficiales es difícil de encontrar y, a veces, es infinita y secreta. En segundo lugar, porque los lugares oficiales, especialmente el GAM, se han convertido en el buque insignia de la producción cultural en Santiago y en una parte importante del proyecto gubernamental sobre las formas del consumismo teatral y de las artes en general.

Esta centralización se ha oscurecido y, tal vez, ha hecho precaria la programación de otros lugares como Matucana 100, Teatro del Puente o Lastarria 90, que, hace algunos años, solían ser lugares emergentes realmente importantes. Estos tres lugares incluso robaron algunas audiencias de los teatros de la universidad.

Los chilenos para conocer – Andrés Pérez artista, actor, director y dramaturgo

Andrés Pérez (1951 – 2002) fue un artista, actor, bailarín, director, coreógrafo y dramaturgo. Su mayor legado, aparte de la obra más popular de Chile, «La Negra Ester», fue la creación de un teatro que conmovió los corazones y la imaginación de una amplia audiencia, en Chile y en el extranjero. Trajo una nueva perspectiva al teatro en el país, mezclando teatro con acrobacias, drama con música y canciones. Él le ofreció a su público un escape de sus vidas diarias para ingresar a un mundo maravilloso, aunque sea por un par de horas.

Andrés Pérez, nacido en Punta Arenas, vivió en Santiago después de haber pasado su adolescencia en la ciudad norteña de Tocopilla. Estudió dos años en una escuela de seminario e ingeniería en la universidad, antes de estudiar teatro en la Universidad de Chile.

Sus orígenes teatrales se encuentran en el teatro de calle. En una entrevista afirmó que después de terminar la universidad actuó por necesidad. «Tuvimos que hacer teatro callejero porque no teníamos dinero para pagar un teatro. Con otros actores, nos acabábamos de graduar de la universidad, no nos llamaban para ver televisión, un lugar en el que uno cree que puede ganar dinero, así que Eso nos llevó a la calle «.

Como resultado de su trabajo en teatro callejero en Chile, en 1982 fue invitado a ir a Francia para trabajar y estudiar con Arianne Mnouchkine, fundadora del Théâtre du Soleil.

Allí, dijo que obtuvo una maestría en teatro callejero: «Aprendí el arte tradicional de la comedia. Se especializan en trabajar con máscaras, pantomima y técnicas circenses. El teatro está vivo y todos los días nos preguntamos ‘¿qué es el teatro?‘»

Pérez veía el teatro como un espejo de la sociedad. En una entrevista dijo una vez: «Los actores son traductores en un espacio y en ese momento de las palabras escritas por el autor. Los actores traducen usando sus cuerpos, su voz, su imaginación y su arte».

A su regreso a Chile en 1988, él y sus ex compañeros de clase universitarios se reunieron y crearon el Gran Circo Teatro. Pérez dijo que, como su primera obra de teatro, sintió la necesidad de contar una historia de amor. Esta historia de amor debía ser «La Negra Ester», una pieza clave en la historia del teatro chileno y la producción teatral chilena más exitosa a nivel nacional e internacional, gracias al explosivo espíritu festivo que generó entre los espectadores.

La obra es una adaptación de «Las Décimas de la Negra Ester» de Roberto Parra, hermano menor de Violeta y Nicanor Parra, que es una representación biográfica de su relación con una prostituta en el puerto chileno de San Antonio.

De «La Negra Ester», Pérez dijo una vez que el montaje de la obra «se realizó con total alegría, sin expectativas … nos alegramos de haber estado reunidos entre amigos».

Pérez escribió y actuó en muchas obras hasta su muerte en 2002. Por una obra, «La consagración de la Pobreza», Pérez recaudó fondos durante siete meses vendiendo comida en las calles. La compañía de teatro también montó una adaptación de Popol Vuh, la historia de la creación de los mayas.

Adaptó «El Desquite», una obra originalmente de Roberto Parra que se desarrolla en la década de 1920 en las afueras de Chillán, y describe la institución del patrocinio como un ejercicio de poder, especialmente hacia las mujeres. A nivel internacional, la obra se abrió en Alemania y luego fue adaptada para cine y televisión por el director chileno Andrés Wood.

La última obra de Pérez, «La Huida», que escribió, dirigió y protagonizó, se inauguró en 2001. Se trata de la persecución a los homosexuales en Chile desde los años 1927 a 1932 durante el gobierno del general Carlos Ibáñez.

Andrés Pérez, trajo una nueva perspectiva al teatro en Chile. Él y Gran Circo Teatro no solo trabajaron con la tradición chilena, sino que también llevaron obras tradicionales, como Shakespeare, al público y siempre con un toque especial.

De su trabajo, Andrés Pérez dijo que le gustaba intervenir y transformar lugares. Le gustó la idea de que el público entrara a un lugar y dejara el que venía de atrás: «Que ingreses al cabaret de La Negra Ester, a un castillo de Shakespeare o al circo de la Consagración de la Pobreza. Tiene que ver con tu infancia, Cuando se crearon casas, una casa de árbol, una tienda … «

Si alguna vez ve un anuncio de una obra de teatro de Gran Circo, ya sea su último trabajo o «La Negra Ester», no lo dude, compre entradas y prepárese para una escapada garantizada y una noche divertida.